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Nektar - Recycle (1975 German Progressive Rock)

2012-02-15T01:40:00.007-08:00

Nektar es una banda de rock progresivo compuesta por músicos ingleses que llegaron a Alemania en 1965 como miembros de diversas formaciones, conociéndose en ese país.
Allan Freeman (teclados, voz), Ray Albbrighton (guitarra), Derek Moore (bajo, melotrón, voz) y Ron Howden (batería) contactan en Hamburgo en 1968 en el club Star.
A fines de 1970 con un impactante show de luces y con la inclusión del miembro no oficial Mick Brockett, comenzaron a atraer crecientemente la atracción del público germano.
En 1971 firmaron contrato con el sello Bellaphon y editaron su elepé debut "Journey to the Center of the Eye". Con su segundo álbum, "A Tab in the Ocean" (1972) lograron convertirse en una banda de culto con otras tantas de Alemania como Hölderlin, Novalis, Eloy, Guru Guru y muchas otras y con su tercera publicación, “Remember the Future “ (1973), su popularidad masiva.
"Down to Earth" (1974), "Recycled" (1975), "Magic is a Child" (1977), "Man in the Moon" (1980) son los discos que cierran a su vez una etapa y una década, siguiendo sus integrantes sus proyectos individuales hasta que con la entrada del milenio se vuelven a reunir con discos como The “Prodigal Son” (2001), “Evolution” (2004), “Book of Days” (2008) y “Juggernaut” (2011).
“Recycle” (1975) es el sexto álbum de la banda, considerado por muchos de sus seguidores como el mejor momento de Nektar.
Álbum conceptual que aborda la degradación del medio ambiente, prediciendo lo que hoy es de plena actualidad como es el cambio climático.
Las canciones original en vinilo van enlazándose unas con otra (en CD al ir por pistas se corta) de manera que la cara 1 cuenta la historia de un futuro de pesadilla en que sólo queda el "reciclado de energía"; mientras que las canciones de la cara 2 gira en torno al deterioro y depredación del turismo sobre la naturaleza virgen de las costas en temas como “Sao Paulo Sunrise” o “Costa del Sol”.

The Hollies - Evolution (1967 UK Pop Rock)

2012-02-08T02:23:00.000-08:00

The Hollies es una banda de Pop-rock británica formada en Manchester a principios de los 60’, conocidos por su estilo de armonías vocales, su habilidad en la edificación melódica, su estimulante sentido del ritmo, enriqueciendo su escritura pop con trazos de rock'n'roll, folk-rock, R&B y psicodelia, convirtiéndose en uno de los principales grupos británicos de los 60’s y 70’s.
La alineación original consistió en Allan Clarke (cantante), Graham Nash y Vic Steel (guitarras), Erick Haydock (bajo) y Don Rathbone (batería).
Vick Steel dejaría muy pronto su lugar a Tony Hicks y casi al mismo tiempo Rathbone dejaría las baquetas para convertirse en representante del grupo entrando Bobby Elliot en su puesto. En 1966 Bernie Calvert sustituyo a Haydocky y en 1968 Terry Syvester a Nash cuando este dejo el grupo para integrarse al supergrupo Crosby, Still, Nash and Young.
La música de los Hollies con la capacidad creativa del trió formado por Clarke-Hicks-Nash (sobre todo de Graham Nash) se acrecentó en plena época lisérgica con experimentaciones sonoras que ornamentaban sus melodías pop de lo cual resulto dos excelentes álbumes grabado en 1967: "Evolution" y "Butterfly".
"Evolution" (1967) es para muchos una de las cumbres del pop inglés de todos los tiempos, conteniendo temas como "Lullaby to Tim" (nana psicodélica con distorsión de voz dedicada al hijo de Allan Clarke), "Rain on the window", "Then the heartaches begin", "Leave me" o los toques orientales de “Water on the brain”.
Disco subestimado en su día (que el tiempo ha puesto en su lugar), quizás por no llegar a extraerse ningún single o el echo de ser un año mágico, ese del 67, prolífico de excelentes álbumes de diferentes bandas que de alguna manera lo eclipso. Basta decir que se grabo en las mismas fechas y en los mismos estudios que los Beatles estaban grabando “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band”.

Van Morrison - Astral Weeks (1968 North Ireland Rock)

2012-02-01T01:38:00.000-08:00

Van Morrison, para muchos, es uno de los solistas más importantes y prolíficos que ha conocido la música británica gracias a su conjunción entre lírica introspectiva, expresión con trascendente hondura emocional, mística y sonidos blues, jazz, soul, folk, country, swing y gospel.
Van Morrison lideraba a Them, una banda que contaba con la producción de Bert Berns, grabando dos excelentes discos ‘The Angry Young Them’ (1965) y ‘Them Again’ (1966). Morrison abandona la formación buscando un sonido más expansivo, que se adapte mejor a las canciones que durante 1966 y 1967 va escribiendo, en su hogar natal de Belfast del Este.
En el sello discográfico de Bert Berns debuta en 1967 con el single “Brown eyed girl” y más tarde su primer LP, “Blowin’ your mind” (1967), no quedando muy satisfecho, sin embargo es publicado sin su consentimiento lo que provoca su ruptura con Berns.
Su nuevo proyecto busca "un sentimiento de jazz" según sus propias palabras. Morrison se muda a New York donde entró en relación con algunos de los mejores y talentosos músicos de sesión de la escena jazz de NY.
Van Morrison fichó por la Warner y con producción de Lewis Merenstein grabó, para muchos, una de sus obras maestras: “Astral Weeks” (1968). Un álbum atemporal que sigue siendo fresco tras el paso del tiempo, lleno de poesía con una amalgama de sonidos entre el jazz, blues, gospel, folk y soul.
Morrison toca la guitarra y canta con su elástica y blusera voz acompañado de, entre otros, Jay Berliner a la guitarra clásica, Richard Davis al contrabajo, Connie Kay a la batería, John Payne a la flauta y al saxo y Warren Smith a la percusión y el vibráfono.

Jethro Tull - Living In The Past (1972 UK Progressive Rock)

2012-01-23T03:14:00.000-08:00

‘Living in the Past’ es el título del álbum de la banda británica de rock progresivo Jethro Tull, publicado en 1972. Álbum doble que compila singles, caras B y descartes e incluyendo el EP ‘Life is a Long Song’ y , que cierra el álbum, una cara entera grabada en vivo en 1970 en el Carnegie Hall de Nueva York.
Durante su primera gira americana de 1969, Ian Anderson compondrá el tema ‘Living in the Past'. La grabación también tendrá lugar en Estados Unidos entre Nueva Jersey (las pistas básicas) y Los Angeles (voces). En este último estudio se grabará también la cara B del single ‘Driving Song’.
El tema que da título al LP es uno de los singles más conocidos de Jethro Tull, siendo un avance importante en cuanto a innovación y exploración en la música de Jethro Tull, en tanto se apartaba claramente de las raíces bluseras presentes en los discos anteriores.
La cancion no se incluye, a pesar de que se graba al mismo tiempo, en el larga duración ‘Stand Up’ (1969). ‘Living in the Past’ se publica como single independiente.
‘Living in the Past’, se hizo aún más popular después de su lanzamiento dentro del álbum en 1972, siendo extraído de nuevo como sencillo para Estados Unidos donde no se había publicado en 1969.
Músicos:
• Ian Anderson - voz, flauta travesera, guitarra acústica, saxofón soprano
• Martin Barre - guitarra eléctrica
• Jeffrey Hammond - bajo, voz
• Barriemore Barlow - batería, percusión
• John Evan - teclados, piano

Ray Davies - Working Man's Café (2007 UK Rock)

2012-01-16T07:05:00.000-08:00

“He estado otras veces en peligro de muerte, pero aquélla fue la peor. Si no me llegan a pegar un tiro en Nueva Orleans, creo que este disco nunca se habría publicado", así es como relata Ray Davies (Fortis Green, Londres, 1944), en una entrevista, un pasaje de la elaboración de su segundo disco en solitario, ‘Working Man's Café’, casi dos años después de ‘Other People’s Lives’ su primer trabajo como solista y once años después del último trabajo con The Kinks.
‘Working Man's Café’ (2007) está escrito prácticamente durante la convalecencia de las heridas de un tiro en la pierna que sufrió después de defender a una amiga de unos ladrones en Nueva Orleans. Ingresado como indigente (le habían robado la documentación los mismos que le pegaron el tiro), en la sala de emergencia de un hospital de caridad, escribo la letra de ‘Morphine song’ en un bloc que le pidió al enfermero: La pesadilla sanitaria no había hecho más que empezar.
Ray Davies marcho a principio de siglo a Nueva Orleans como destino. "Mi novia de entonces era estadounidense y quería volver. Y yo pretendía inspirarme en la música americana que me gusta: country & western, folk-blues, cajun, jazz tradicional” comenta en esa misma entrevista. Una nueva vida que no le funciono a pesar de su admiración por la zona y, al margen del incidente, que recoge en el tema ‘Imaginary man’.
Grabado en Nashville, Tennessee y mezclado en el norte de Londres en los estudios Konk (lugar donde The Kinks hicieron gran parte de sus grabaciones), ‘Working Man's Café’, presenta una mirada melancólica, divertida y conmovedora a la vida en el siglo 21, además de cierta crítica por el tercermundismo sanitario público norteamericano que contrasta con su poderío y que pudo comprobar en su misma persona.
Ray Davies coproduce el álbum con Ray Kennedy, productor de Steve Earle entre otros, acompañándose de músicos americanos, excepto el batería Mick Avory (compañero de The Kinks), pero con el inconfundible y distintivo sello británico: no podía ser de otra manera.

Mick Ronson - Slaughter on 10th Avenue (1974 UK Rock)

2012-01-09T02:29:00.000-08:00

Mick Ronson fue un guitarrista, teclista, compositor, arreglista y cantante inglés, pieza fundamental y mano derecha de David Bowie en su etapa glam rock .
Guitarrista en principio de The Hype, banda de apoyo de David Bowie de finales de los 60’s, que además constaba de Mick Woodmansey a la batería y Tony Visconti en el bajo más tarde sustituido por Trevor Bolder, pasando Visconti a manager y productor pero ya con el nombre de The Spiders From Mars, siendo Visconti también pieza importante en el devenir de Bowie.
Ronson fue quien acaparó mayor atención en la formación de Bowie, siendo pieza clave en el sonido de la banda, debido a su técnica por el uso de pedales que conseguían transmitir diferentes sonidos extraños por lo que es considerado, para muchos, uno de los mejores guitarristas de la historia del rock. Como teclista destacaba por su manera sincopada de arpegiar (acordes desplegados) los acordes como en “Perfect day“ para Lou Reed o “Lady Stardust “ para David Bowie.
“The Man Who Sold The World” (1971), “Hunky Dory” (1971) el conceptual y mitico “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars” (1972), el disco de versiones “Pin-Ups” (1973) y “Aladdin Sane” (1973) fueron los discos de la etapa The Spiders From Mars, denominada glam rock, que daría paso posteriormente al punk. Ronson, por aquel tiempo, también coprodujo con Bowie e intervino como músico en el “Transformer” de Lou Reed.
The Spiders From Mars se disolvió durante la gira de 1973 después de grabar su siguiente álbum “Aladdin Sane”, iniciando Mick Ronson su carrera en solitario terminando así su colaboración con Bowie.
“Slaughter on 10th Avenue” (1974) es el debut en solitario de Ronson y está acompañado de Trevor Bolder al bajo, Aynsley Dunbar a la batería y Mike Garson al piano, siendo el productor David Bowie y autor del tema “Growing Up and I'm Fine".
La discografía en solitario de Mick Ronson se completa con “Play Don’t Worry” (1975) y “Heaven And Hull” (1994) este disco póstumo pues falleció en 1993 a la edad de 46 años.

Laura Nyro - New York Tendaberry (1969 US Singer-Songwrite)

2012-01-02T13:22:00.000-08:00

Laura Nyro, cuyo nombre original era Laura Nigro, es una cantante, compositora y pianista nacida en el Bronx, Nueva York, de ascendencia judíos rusos e italianos. Desde muy pequeña entre sus estudios no falto la música, aprendiendo a tocar piano, aficionándose a la poesía y escuchando discos de su madre de Billie Holiday, Leontyne Price y compositores clásicos como Ravel y Debussy, componiendo sus primeras canciones a la edad de ocho años.
Su base de su educación en la High School of Music and Art lo compaginaba cantando con sus amigos en las calles y estaciones de metro y más tarde en los coffeehouse.
Su estilo era todo tipo de ritmos, un híbrido de Brill Building: jazz, gospel, rhythm and blues, rock y soul. El Brill Building era un edificio alquilado por editores de música y convertido en centro de actividad para la industria de la música popular y letras de canciones.
Sus composiciones fueron grabada por gente como The 5th Dimensión, Blood, Sweat & Tears, Peter, Paul & Mary, Three Dog Night, Maynard Ferguson, Todd Rundgren o Barbara Streisand pero paradójicamente su mayor éxito fue “Up on the Roof" un tema compuesto por Carole King y Gerry Goffin‎.
Laura Nyro, con apenas dieciochos años, graba su primer álbum “More Than a New Discovery” en 1967 (reeditado como “The First Songs” en 1973). Nyro aparecio en el Festival Pop de Monterey, pasando inadvertida, pagando la novatada ante el elenco del cartel y que según cuenta la leyenda fue abucheada, más tarde desmentida por Michele Kort en la biografía que publicó en 2002 (Soul Picnic: The Music and Passion of Laura Nyro).
“New York Tendaberry" (1969) es una obra muy aclamada que consolidó la credibilidad artística de Nyro y está considerada, por muchos, su mayor logro musical. El album es una oda de amor de Laura Nyro a su ciudad natal, Nueva York, estando todas sus canciones influenciadas por la ciudad.
“Nueva York Tendaberry” está también considerado como el segundo de una trilogía de los clásicos registros originales de Nyro, junto con “Eli and the Thirteenth Confession” (1968) y “Christmas and the Beads of Sweat (1970). Todos ellos son considerados musical y temáticamente similares, aunque Nueva York Tendaberry es por lejos la más intensa y descarnada.
Laura Nyro falleció a la edad de 49 años en Danbury (Connecticut) el 8 de abril de 1997.

Joni Mitchell - Court and Spark (1974 CAN Folk)

2011-12-26T14:23:00.000-08:00

Joni Mitchell comenzó a cantar a una temprana edad en pequeños clubes nocturnos en Saskatchewan, el oeste de Canadá, su país natal. A mediados de la década de los 60’s se marchó a Toronto, donde de música callejera conoce al cantante de folk Chuck Mitchell con quien se caso tomando su apellido (en realidad Joni nació como Roberta Joan Anderson).
Joni Mitchell continuó su carrera como cantante y compositora en Detroit, actuando con posterioridad en Nueva York, ciudad a la que se mudó en el año 1965, comenzando a ser reconocida por sus canciones originales que fueron versionadas por notables cantantes de folk.
En 1967 se instala en el sur de California la meca y lugar de peregrinación para muchos músicos en aquellos tiempos. La popularidad alcanzada por uno de sus composiciones, "Both sides now", en la voz de Judy Collins le permite firmar con Reprise Records y grabar su propio álbum debut “Song to a seagull” (1968), con producción de David Crosby y en el que participaba Stephen Stills.
Mitchell ayudó a definir una época y una generación con sus canciones populares como "Big Yellow Taxi" o "Woodstock", aparecidas en su tercer LP "Ladies of the Canyon" (1970), esta ultima versionada por Crosby, Stills, Nash & Young en el Lp "Deja Vu".
"Court and Spark" (1974), para muchos, es uno de sus mejores trabajos y el de mayor éxito comercial de su trayectoria artística, donde se comienza a ver a una Mitchell coquetear con el jazz mezclándolo con folk, country y pop. En el disco, que incluía temas como "Free man in Paris", "Raised on robbery" o "Help me", colaboraron gente como Graham Nash, David Crosby o José Feliciano.

Carlos Santana & John McLaughlin - Love Devotion Surrender (1973 US Jazz Rock)

2011-12-19T15:03:00.000-08:00

“Love Devotion Surrender“ es un álbum lanzado en 1973 por los guitarristas Carlos Santana y John McLaughlin. El álbum fue inspirado por las enseñanzas del gurú Sri Chinmoy. El título del álbum es un reflejo de los conceptos básicos de la filosofía Chinmoy: amor, devoción y entrega.
John McLaughlin fue influenciado por sus estudios con el gurú Sri Chinmoy, quien le dio el nombre de Mahavishnu con el que se daría a conocer.
Carlos Santana, su guitarra con su mezcla de rock afrolatino, fue en su momento una ventana abierta de aire fresco para McLaughlin, que estaba a punto de romper con la Mahavishnu Orchestra, e introduciéndolo a su vez a Sri Chinmoy en 1971, momento en el que el gurú le otorgó a Carlos el nombre de "Devadip", empezado a tocar y grabar juntos en 1972.
Un álbum místico que llego en un momento de transición espiritual y musical: “Entrega amor es una devoción”, por lo que desprende de sus adentros un aroma espiritual impregnado de Jazz-Rock/Fusión.
"Love Devotion Surrender" contiene tres composiciones de John Coltrane, una canción de McLaughlin y una canción gospel tradicional con el apoyo de sus respectivas bandas (Santana y The Mahavishnu Orchestra) y que en cierta manera se convierte en una especie de tributo a John Coltrane.
En 2003 fue lanzado en CD con versiones alternativas (“A Love Supreme” y “Naima”) como bonus tracks.
Temas:
“A Love Supreme” version de "Acknowledgement" del album “A Love Supreme” (1964) de John Coltrane.
“Naima” del album “Giant Steps” (1959) de John Coltrane.
"The Life Divine" del album “A Love Supreme” (1964) de John Coltrane.
"Let Us Go Into the House of the Lord" es una pista larga de cerca de 16 minutos sobre la base de la canción gospel tradicional. El arreglo fue acreditado a Santana y McLaughlin, aunque el crítico musical de la revista Rolling Stone, Bob Palmer, escribió que el arreglo esta cerca del que hizo Lonnie Liston Smith en su trabajo "To be described as a cop".
“Meditation” (composición McLaughlin)
Musicos:
- Carlos Santana / guitars, vocals
- John McLaughlin / Guitar, piano
- Larry Young / organ
- Doug Rauch / bass
- Billy Cobham / drums
- Don Alias / drums
- Jan Hammer / drums
- Mike Shrieve / drums
- Armando Peraza / Congas, Bongos

Television - Marquee Moon (1977 US Rock)

2011-12-12T16:10:00.000-08:00

Television es un grupo de rock neoyorquino formado y liderado en 1973 por el compositor, cantante y guitarrista Tom Verlaine.
El germen de TV se remontan a finales de los 60’s por la amistad surgida entre Tom Verlaine y Richard Hell (bajo y voz), los cuales forman The Neon Boys, cerrando la formación Bill Ayers (guitarra) y Billy Ficca (batería). En esta etapa registran el disco llamado "That's All I Know Right Now" (1973).
A finales de 1973, ya como Televisión (nombre creado por Tom Verlaine en alusión a las siglas de su nombre TV), se les une Richard Lloyd, como segundo guitarrista, que sería esencial en el devenir de la formación.
La formación es contratada para tocar en el club CBGB, tras persuadir a su propietario de hacer un sonido que ni por asomo se tocaba en un recinto solo para músicos de country, bluegrass y blues. No obstante el éxito fue tal que el club muy pronto se convertiría junto con el Max's Kansas City en un lugar clave de la escena punk y new wave neoyorkina, pasando artistas como Patti Smith, The Ramones, Blondie o Talking Heads.
Richard Hell, reemplazado por el ex-Blondie Fred Smith, dejó la banda debido a sus conflictos con Verlaine, uniéndose a The Heartbreakers (junto a Johnny Thunders) para posteriormente formar The Voidoids.
Television graban su primer sencillo "Little Johnny Jewel" con la singularidad de que el tema era tan largo que proseguía en la cara B. siendo todo un éxito en la escena underground.
El primer LP de la banda "Marquee Moon" (1977) es considerado, por muchos, un álbum revolucionario debido a sus largas y entretejidas secciones instrumentales de duelos de las guitarras de Verlaine y Lloyd, un sonido con ciertas características del punk, el art rock e influencias de jazz.
El álbum fue un éxito tanto en la escena minoritaria underground como para la crítica especializada, pero no caló entre el público masivo estadounidense (a pesar de que la banda salió de gira con Peter Gabriel). Sin embargo, con el transcurso del tiempo, "Marquee Moon", está catalogado como álbum de culto y uno de los más importantes de la escena de Nueva York.
La foto de la tapa del álbum fue tomada por Robert Mapplethorpe, un fotógrafo que también sacó la foto de la tapa del debut de Patti Smith, "Horses", ex-pareja de Tom Verlaine.
Tras un segundo álbum "Adventure" (1978), decepcionantes para sus seguidores y crítica y que unido a las tensiones entre Lloyd y Verlaine hacen que la formación se disuelva. Television realiza su último recital el 29 de julio de 1978 (en Nueva York).

Annette Peacock - X-Dreams (1979 US Experimental Jazz Rock)

2011-12-05T12:50:00.000-08:00

Annette Peacock es una pianista, compositora y cantante estadounidense de Brooklyn, Nueva York. Su apellido (Anette Coleman era su nombre de soltera) lo tomo al casarse, muy joven, con el bajista Gary Peacock que formaba parte del trió de jazz vanguardista el saxofonista Albert Ayler.
Hippie, bohemia por excelencia y con su actitud poco convencional participo en los experimentos psicodélicos de Timothy Leary e incluso colaboró con el pintor surrealista Salvador Dalí.
Anette Peacock se dio a conocer definitivamente junto el pianista de jazz experimental Paul Bley, su nueva pareja, lo que le dio la oportunidad de componer, cantar y ser pionera en tocar uno de los primeros sintetizadores Moog, que recibió del propio Robert Moog en persona. Con voz aterciopelada y otras veces crudas, sus melodías las cortan sonidos discordantes y saturados hechos con el sintetizador.
En 1968, Anette Peacock voló libre, debutando con “Revenge”, (también editado con el nombre de Bley-Peacock Synthetizer Show), apareciendo también en 1972 como "Holograma" en un montaje en colaboración con Dalí, aunque su obra maestra de aquella época es "I'm The One" (1972).
Su música la han versionado David Bowie, Busta Rhymes, Brian Eno, Morcheeba, Pat Metheny, Al Kooper y Mick Ronson y su voz singular y su obra han inspirado a Sidsel Endresen.
“X-Dreams” es un disco que apareció en 1978 tras seis años sin producir ninguna obra por el que se la llamó la Bowie femenina, tanto por su lado andrógino como por su rock matizado. “My mother never taught me how to cook”, corte que abre “X-Dream”, es parte de la banda sonora de la película "Persiguiendo a Amy" (1997), del director Kevin Smith.

Nico - Chelsea Girl (1967 Germany Pop Rock)

2011-11-28T16:17:00.000-08:00

Christa Päffgen, más conocida como Nico, fue una cantautora, modelo y actriz nacida en Colonia, Alemania, conocida tanto por su colaboración con The Velvet Underground, como por su trabajo como solista.
Nico se mudó a Nueva York, repartiendo sin embargo su tiempo y actividad artística entre las ciudades de NY y París.
Como actriz aparecio en la aclamada película de Federico Fellini de 1960, La Dolce Vita o colaboro como componente de la Factory de Andy Warhol, por lo que también actuó en varios papeles en sus películas de arte experimental, especialmente Chelsea Girls, lo cual la inspiró después a titular su álbum debut.
Nico participo en el mítico disco The Velvet Underground & Nico, compartiendo escenario con sus componentes en el vanguardista show de rock llamado "The Exploding Plastic Inevitable", organizado por Warhol y otros miembros de la Factory.
Después de su primer disco, Nico, se adentro en territorios oscuros y experimentales, apadrinada fundamentalmente desde The Marble Index de John Cale en la composición y producción de sus discos, y recibiendo la ayuda y colaboración puntual de otros artistas como Brian Eno en The End.
“Chelsea Girl” es el álbum debut como solista de Nico, publicado en octubre de 1967 por Verve Records, producido por el también ex Velvet John Cale y que resultó el más exitoso de toda su carrera. Básicamente son canciones folk abarrocadas con textos poético-reflexivos en la que la voz tristón-introspectiva de Nico sobresale entre violines y cuerdas. Con una base instrumental de The Velvet Underground, aparecen composiciones propias de la cantante, Jackson Browne, Bob Dylan, Tim Hardin, Lou Reed y John Cale.
Nico falleció en Ibiza el 18 de julio de 1988, como consecuencia de un desgraciado y fatal accidente en bicicleta.
Personal:
• Nico – Voz
• Jackson Browne – Guitarra eléctrica
• Lou Reed – Guitarra eléctrica
• Sterling Morrison – Guitarra eléctrica
• John Cale – Viola, Órgano
• Larry Fallon – Arreglos de flauta y cuerdas

James Gang - Live In Concert (1971 US Rock) Vinylrip.

2011-11-21T13:36:00.000-08:00

James Gang fue una banda de rock formada en Cleveland, Ohio, en 1966 y que en principio no fue muy conocida por el gran público pero redescubierta posteriormente ante éxito de algunos de sus integrantes, en solitario o en otras formaciones, el guitarrista y vocalista Joe Wash y el guitarrista Tommy Bolin.
Los componentes originales eran Jimmy Fox a la batería, Tom Kriss al bajo , Ronnie Silverman y Greg Grandillo a las guitarras con Phil Giallombardo a las teclas más tarde sustituido por Dennis Chandler y posteriormente Bill Jeric reemplaza a Silverman tras alistarse este a los marines.
El grupo contó con el gran talento del guitarrista Glen Schwartz. Lamentablemente, ninguna de las anteriores combinaciones produjo ningún material oficial.
En 1968 Joe Walsh sustituye a Glen Schwartz, cuando dejó la banda para unirse Pacific Gas & Electric. La formación que, en ese momento, constaba entonces de Fox, Kriss y Walsh, publicó su álbum debut “Yer ‘Album “ (1969).
En 1970, editan su segundo álbum, “James Gang Rides Again”, que incluía el popular sencillo “Funk # 49”, así como el clásico «The Bomber». Después de dos álbumes más, “Thirds” y, con el sencillo “Walk Away”, el álbum en vivo “James Gang Live In Concert”, Walsh deja la banda a finales de 1971 para marchar en solitario y más tarde unirse a The Eagles.
La formación se reestructura con las llegadas de Roy Kenner (vocalista) y el guitarrista Domenic Troiano el cual marcha posteriormente para incorporarse a The Guess Who en 1974, siendo reemplazado por Tommy Bolin (ex-Zephyr).
Bolin apareció en dos álbumes, “Bang!” y “Miami”, pero marchó a mediados de 1974 con la consabida aparición fugaz en Deep Purple reemplazando a Ritchie Blackmore grabando “Come Taste The Band” (1975) y la consecuente gira mundial. es un álbum recogido en vivo de su actuación en el Carnegie Hall de Nueva York publicándose en septiembre de 1971. Esta actuación y álbum es el último y, por tanto, la despedida de Joe Walsh en The James Gang.

Blue Cheer - Vincebus Eruptum (1968 US Hard Rock)

2011-11-14T14:35:00.000-08:00

Blue Cheer fue en principio un trío hard-rock formado, a finales de los 60’ en San Francisco, por el cantante y bajista Dickie Peterson, el guitarrista Leigh Stephens y el batería Paul Whaley.
Blue Cheer, sacó su nombre de una variedad de LSD, estuvo influenciado por Cream y Jimi Hendrix Experience. Un blues/rock con uso altamente grave de la afinación, volumen instrumental pesado y bastante ruidoso.
Lanzan su primer álbum en 1968, 'Vincebus Eruptum', mostrando un poderío instrumental y, en especial la guitarra de Leight Stephens y la batería de Paul Wahley, en la que destaca el tema "Summertime Blues" (en donde incluyen el riff del "Foxy Lady" de Hendrix), tema clásico del pionero del rock Eddie Cochran y también el tema "Out Of Focus" cantado por el bajista Dickie Peterson.
Tras la grabación de su siguiente Lp "Outsideinside" (1968), en el cual se incorpora el teclista Burns Kellog, su sonido se hace más moderado e inician un cierto declive debido a los constantes cambios de formación.
Abandona la banda el guitarrista original Leigh Stephens siendo sustituido por Randy Holden (ex Other Half) para la publicación de su tercer disco grande, "New! Improved! Blue Cheer" (1969). Con posterioridad fue el batería original Paul Whaley el que abandona, dejando su sitio a Norman Mayell.
La inestabilidad continuó en 'Blue Cheer' (1969) con la llegada de Gary L. Yoder (ex Kak) y el bajista Brian Stephens.
Con la alineación formada por Dickie Peterson, Ralp Burn Kellogg, Brian Stephens y Gary Lee Yorder lanzan el psicodélico 'The Original Human Being' en 1970 y 'Oh! Pleasant Hope' en 1971, disolviéndose.
No sería hasta 1984 cuando vuelven a reaparecer con el álbum 'The Beast Is...Back', siendo su último trabajo de 2007 'What doesn´t kill you'.

Mott The Hoople - All the Young Dudes (1972 UK Rock)

2011-11-07T14:57:00.000-08:00

Mott the Hoople fue una banda británica de Rock con fuertes raíces de Rhythm & Blues. Procedentes de una banda llamada Silence, en 1968, cambia su nombre por "Mott the Hoople" (basado en una novela de Willard Manus) con la siguiente formación: Mick Ralphs (guitarra), Verden Allen (teclas), Overend Pete Watts (bajo), Dale "Buffin" Griffin (batería) y Stan Tippins (voz), uniéndosele más tarde el teclista y vocalista Iam Hunter, pasando Tippins al puesto de manager.
Liderados definitivamente por Iam Hunter y Mick Ralphs debutan en 1969 con su LP homónimo “Mott the Hoople”, incluyendo las versiones de "Laugh at Me" (Sonny Bono) y un instrumental de "You Really Got Me" (The Kinks).
Después de una series de álbumes: Mad Shadows (1970), Wildlife (1971), “Brain Capers” (1971, la banda se estanca, disolviéndose durante un breve tiempo tras quedarse sin discográfica, aunque compromisos pendientes contractuales les obliga a girar durante ese año.
Es cuando aparece la figura de David Bowie, gran admirador de la banda, consiguiéndoles un nuevo contrato con CBS, escribiéndole la canción "All the Young Dudes". Ante el gran éxito, les produce el larga duración con mismo nombre del tema del single “All the Young Dudes"(1972), donde incluyen el tema “Sweet Jane “ de The Velvet Underground y Bowie toca el saxo en algún tema .
En un momento pletórico graban “Mott” (1973) y “The Hoople” (1974) de donde son extraído una series de singles, “The “Golden Age of Rock 'n' Roll”, “Honaloochie Boogie”, “All The Way From Memphis” y “Roll Away The Stone” que los alzaron al mayor grado de popularidad.
A pesar de todos los logros y la popularidad, la formacion pasaba por duros momentos internos con salidas en su formación de Mick Ralphs para fundar Bad Company junto ex-Free Paul Rodgers y Verden Allen y las entradas de Morgan Fisher y el legendario guitarrista de los Spiders From Mars de Bowie, Mick Ronson.
Aunque la aportación de Ronson fue positiva, no duró mucho en la banda. Tanto él como el vocalista Ian Hunter abandonaron la formación a fines de 1974, cerrándose así la etapa más gloriosa de Mott the Hoople.

Rick Danko - S/T (1977 Can Rock)

2011-10-31T15:41:00.000-07:00

Richard "Rick" Danko fue un músico y cantante canadiense, más conocido por su trabajo con The Band. Creció escuchando música country y R&B en la radio familiar, siendo influenciado por Hank Williams o Sam Cooke entre otros.
A una temprana edad toca en grupos locales, fogueándose en baretos honky tonks, donde contacta con Ronnie Hawkins, un cantante estadounidense de rockabilly cuyo grupo, The Hawks, era considerado uno de los mejores en el Canadá.
Entre los miembros que por entonces figuraban en el grupo se encontraban el batería Levon Helm y el guitarrista Robbie Robertson a los que pronto se les suma el pianista Richard Manuel y del organista Garth Hudson siendo Rick Danko el bajita de la formación.
Frecuentes disputas entre el mismo Rick Danko con Hawkins dejaría a Danko, Helm, Robertson, Manuel y Hudson sin cantante lo que hace que la banda se reparta esta faceta entre ellos lo que sería de vital importancia y sello distintivo en la formación.
Inicialmente llamados The Levon Helm Sextet, serían rebautizados posteriormente como The Canadian Squires antes de denominarse Levon and The Hawks y finalmente simplemente The Hawks.
Bob Dylan contactaría con el grupo, convirtiendo a The Hawks en su grupo de apoyo, viajando en una larga gira a través de Estados Unidos, Australia y Europa, interpretando nuevas canciones y versiones de composiciones clásicas de Dylan.
Bod Dylan y The Hawks tomarían caminos distintos tras el fin de la gira en Inglaterra y tras sufrir Dylan un accidente de moto. No sería hasta abril de 1969 cuando el grupo, en un concierto en San Francisco, debutó finalmente como The Band.
Rick Danko se convierte en el primer miembro de The Band en grabar un álbum en solitario tras su espectacular despedida en 1976 con el directo y film "The Last Waltz" dirigida por Martin Scorsese
Danko publica en 1977 su disco homónimo “Rick Danko”, grabado en los Shangri-La Studios de California, contando con la participación de sus compañeros de grupo, así como de Ron Wood y Eric Clapton.
Una joya de disco que fue eclipsado inicialmente por la grandeza de The Last Waltz y por la poca promoción de la compañía lo que lo hizo pasar desapercibido e incluso a rescindir el sello discográfico contrato a Danko por el poco éxito obtenido.
No obstante el tiempo se encargó de ponerlo en su sitio, siendo finalmente reconocido por crítica y público. Rick Danko siguió una exitosa carrera musical en solitario o en compañía hasta que le sobrevino la muerte en 1999 mientras dormía.
Pero eso es ya otra historia.

Country Joe & The Fish - Electric Music for the Mind and Body (1967 US Acid Rock)

2011-10-25T11:55:00.000-07:00

Country Joe & The Fish fue una banda californiana de Folk-rock psicodélico, que desarrolló su trabajo entre los años 1965 y 1970.
Country Joe McDonald, fustigador de la política estadounidense de la época, era uno de tantos folkies que pululaban por los alrededores de San Francisco, actuando en las coffee-houses de la ciudad donde conoce a Barry Melton, significado por sus protestas contra los movimientos bélicos, en especial la guerra del Vietnam.
Joe McDonald y Melton funda la Instant Action Jug Band, grabando en principio dos EP con sonidos folkies, incluyendo su tema más popular, el alegato anti-vietnam “I feel like I'm fixin' to die rag” (1965) y “Bass strings” (1966).
Actuando ya como Country Joe & The Fish firma contrato con el sello Vanguard editando su primer LP, “Electric Music For The Mind and Body”, con la siguiente formación: Country Joe McDonald (voz, guitarra), Barry Melton (guitarra, voz), David Cohen (órgano, guitarra), Bruce Barthol (bajo) y Gary "Chicken" Hirst (batería).
Con entradas y salidas en su formación, Mark Ryan y Jack Casady (de Jefferson Airplane) o dos ex-miembros de Big Brother & The Holding Company, Peter Albin (bajo) y David Getz (batería), la formación llega a grabar un ramillete de álbumes más: "I Feel Like I'm Fixing to Die" (1967), “Together” (1968), “Here We Are Again” (1969) y “CJ Fish” (1970.
Country Joe & The Fish llegan a intervenir en los dos grandes festivales e iconos de la contracultura, Monterrey Festival Pop y Woodstock, siendo significante que el éxito y disolución de la banda fuera paralelo al esplendor y decadencia del movimiento hippy.
"Electric Music for the Mind and Body" (1967) es un álbum psicodélico con ascendencia blues con aromas orientales, donde nos encontramos diatribas políticas y sociales ("Superbird" es una acerba sátira contra el presidente Lyndon B. Johnson), citas amorosas ("Sad And Lonely Times"), canciones lisérgicas ("Bass strings"), el sexo ("Happiness is a Porpoise Mouth") y “Grace” dedicada a la componente de los Jefferson Airplane Grace Slick, siendo extraído como single el corte "No so sweet Martha Lorraine".

Foghat - S/T (1972 UK Hard Rock)

2011-10-13T10:20:00.000-07:00

Foghat es una banda de rock británica que todavía en la actualidad sigue en la carretera pero que tuvo en la década de los 70’ su mejor etapa de gloria. Fundada en 1972 por el exSaboy Brown, el cantante y guitarrista “Lonesome” Dave Peverett, con el mejor sabor del British Blues, dándole un sello al proyecto de tintes boogie y hardrock.
Peveret se hace acompañar, completando la formación, por Rod Price (guitarra) y, también los exSaboy Brown , Tony Stevens en el bajo y Roger Earl en la batería.
Pasa su mejor momento en los 70’, con un ramillete de álbumes como su disco debut “Foghat” (1972), “Energized” (1974), “Fool for the City” (1975), donde aparece su hit ”Slow Ride“ o el directo Foghat Live (1977).
La banda entra en la década de los 80’s en un declive que le llevo a prácticamente a la separación. Sus integrantes tiran cada uno por su parte apareciendo en formaciones como Roger Earl's Foghat o Lonesome Dave's Foghat .
A mediado de los 90’s la formación se vuelve a reunir con sus integrantes originales, publicando “Return Of The Boogie Man” (1994).
Desde entonces no han parando, dando gira e intercalando disco de estudios, hasta esta época más reciente; siendo lo ultimo publicado “Last Train Home (2010)” o el directo “Not Live At The BBC” (2010.
En esta última etapa sufre la desaparición de Dave Peverett en el 2000 y Rod Price en 2005.
“Foghat” (1972) es su disco debut y homónimo donde aparecen temas propios e, escrito principalmente por Peverett, incluyendo versiones clásicas de Willie Dixon, "I Just Want To Make Love To You" mas otra de Chuck Berry, "Maybellene" y donde la producción corre a cargo de Dave Edmunds y Tom Dawes (exmiembro de The Cyrkle).

Molly Hatchet - Devil’s Canyon (1996 US Southern Rock)

2011-10-04T14:39:00.000-07:00

Molly Hatchet es una banda estadounidense de rock sureño, formada en Jacksonville, Florida, en 1975. Con una combinación de boggie, blues y un potente hard rock fue fundada por Dave Hlubek y Steve Holland. La formación toma su nombre de una leyenda en la que una supuesta prostituta asesinaba a sus clientes decapitándolos y mutilándolos.
La banda grabó y lanzó su primer álbum homónimo, “Molly Hatchet” en 1978, seguido por "Flirtin' with Disaster" en 1979 y "Beatin' the Odds" en 1980, cerrando con la década, posiblemente, una de sus mejores etapas.
Molly Hatchet logró consolidarse, junto a Lynyrd Skynyrd, 38 Special, Blackfoot o los mismísimos The Allman Brothers Band, como una de las bandas más representativas del rock sureño de los Estados Unidos de América, convirtiéndose en uno de los principales referentes del género.
La década de los 80’s, con las entradas y salidas de sus miembros, hace que la formación entre progresivamente en declive, tomándose un respiro en 1985. Vuelven a reunirse en una gira en 1989 de la cual lanzan el directo “Lightning Strikes Twice”, disolviéndose.
A mediados de los 90’s, Molly Hatchet, vuelve a la carretera grabando “Devil’s Canyon” (1996), intentando y consiguiendo revivir sus mejores días de gloria, no parando de grabar directos y disco en estudio hasta nuestros días, siendo su último trabajo “Justice” aparecido en 2010.
La alineación que aparece en “Devil’s Canyon” esta compuesta por Bobby Ingram (vocals, slide guitar, guitar), Bryant Bassett (vocals, acoustic guitar, guitar), Andy Mc Kinney (vocals, bass), Phil McCormack (vocals), John Calvin (keyboards), Mac Crawford (drums, percussion, sound effects).
Las distintivas portadas de sus discos son diseñadas por Frank Frazetta habitual de muchas formaciones del mundo del rock, para ilustrar sus discos, como Nazaret o más recientemente Wolfmother, entre otros.

Frank Zappa - Waka Jawaka (1971 US Jazz Rock Progressive)

2011-09-27T02:23:00.000-07:00

Frank Zappa fue un compositor de música sinfónica y de cámara, músico de rock, cantante, guitarrista, y artista satírico estadounidense.
Su obra cubrió una larga variedad de estilos musicales desde avant-garde pasando por el rock psicodélico y jazz fusión hasta el clásico contemporáneo, destacando en su mezcla la ópera rock con grandes dosis del absurdo, el humor escatológico o lo satírico esperpéntico.
Creó y lideró a The Mothers Of Invention, posteriormente llamados sólo "Mothers", por la que pasaron los mejores exponentes del rock y el jazz de su generación.
Zappa fue un artista muy prolífico, muchos de sus álbumes son considerados esenciales en la historia del rock, y es reconocido como uno de los guitarristas y compositores más originales de su tiempo, siendo hoy en día una referencia para un gran número de artistas.
“Waka Jawaka“(1971) es una secuela del genial "Hot Rats" (1969) y una especie de antesala del curioso "The Grand Wazoo" (1972) que se podrían entender como una trilogía.
Zappa para ello recurre a una big band (una quincena de músicos) en los que se incluyen una gran sección de vientos. El resultado es un disco magistral entre el jazz y el rock progresivo.
Además de George Duke a las teclas, Aynsley Dunbar a la batería o el bajista Erroneous (Alex Dmochowski), también están presentes, entre otros, el trompetista Sal Marquez, Tony Duran a la guitarra o Joel Peskin al saxo tenor.
Frank Zappa murió en 1993, un sábado cuatro de diciembre. En una ceremonia privada celebrada al día siguiente, Zappa fue enterrado en una tumba sin marcar en el Cementerio Westwood Village Memorial Park de Westwood, Los Ángeles. El lunes 6 de diciembre su familia anunció:
"El compositor Frank Zappa marchó para su última gira el sábado justo antes de las 18:00".

Caravan - In The Land Of Grey And Pink (1971 UK Progressive Rock)

2011-09-19T13:46:00.000-07:00

El grupo británico Caravan, procedente de Canterbury, tuvo su embrión en la banda Wilde Flowers, originalmente una banda de R & B que fue paulatinamente evolucionando en tanto y en cuanto iban entrando y saliendo sus miembros.
Así tenemos que aparecen Kevin Ayers (voz), Richard Sinclair (guitarra), Robert Wyatt (batería) y Hugh Hopper (bajo). En 1965 entra Richard Coughlan reemplazando a Robert Wyatt; más tarde entra el guitarrista Pye Hastings, a la vez que se les une el primo de Richard, Dave Sinclair, inicialmente tocando el bajo, que pronto cambiaria por los teclados. Kevin Ayers, Hugh Hopper salen de la formación para terminar reagrupándose con Robert Wyatt en Soft Machine.
La banda nunca grabó ningún disco oficial. En el año 1994 el sello Voiceprint remasterizó algunas de sus grabaciones que se publicaron como The Wilde Flowers.
En 1968 cambian su nombre por el de Caravan, cerrándose un cuarteto con la alineación compuesta por Pye Hastings (guitarra y voz), Richard Sinclair (guitarra bajo y voz), Dave Sinclair (teclados) y Richard Coughlan (batería).
Enmarcados en el sonido Canterbury (término usado para designar al movimiento de rock progresivo surgido en la ciudad de Canterbury (Kent, Inglaterra) durante los últimos años 60 y primeros 70) donde figuraron bandas como Camel, Gong, Soft Machine, Hatfield and the North y National Health por citar algunos.
"In The Land Of Grey And Pink” (1971) es el tercer disco de la formación con portada diseñada por Anne Marie Anderson, con una cara A, del LP original, de cuatro cortes y la cara B con el corte “Nine Feet Underground“ de cerca de 23 minutos de duración a modo de suite conceptual, dividida en ocho partes perfectamente diferenciadas de eclécticos ritmos, compuesta básicamente por el teclista David Sinclair.
Un disco muy apropiado para iniciarse en los vericuetos del sonido Canterbury.

The Incredible Jimmy Smith - Back At The Chicken Shack (1960 US Jazz)

2011-09-11T01:49:00.000-07:00

Jimmy Smith (1928-2005) fue un organista estadounidense de jazz, experto en el órgano eléctrico Hammond B-3 y un autentico revolucionario al introducir este instrumento definitivamente en el jazz. Su estilo era una mezcla hard bop y funky jazz (fusión del jazz con el funk, el soul, el R&B y blues).
Smith desde muy joven aprendió a tocar el piano, matriculándose en la Hamilton School of Music para estudiar el contrabajo y en la Ornstein School of Music en la especialidad de piano. El aprendizaje del contrabajo fue lo que le hizo a Jimmy a prescindir de este instrumento en muchas ocasiones ya que su técnica hacia sustituirlo con el propio órgano.
Smith empezó a tocar el órgano Hammond con la formación de rhythm and blues, Don Gardner And His Sonotones, a principio de los años cincuenta.
En 1955 formó su propio trío de órgano y aplicó su concepción musical modernista a ese instrumento, alcanzando una gran reputación, sobre todo, con la aparición en el Festival de Jazz de Newport de 1957.
Jimmy Smith ya fichado por el prestigioso sello Blue Note, periodo que va desde 1956 hasta 1963, grabo tanto en trío como colaborando con artistas como Kenny Burrell, Lee Morgan, Lou Donaldson, Tina Brooks, Jackie McLean, Ike Quebec o Stanley Turrentine.
“Back At The Chicken Shack” (1960) es un disco en cuarteto, precisamente grabado en esa época dorada de Blue Note. Smith se hace acompañar de Stanley Turrentine al saxo, Kenny Burrell a la guitarra y Donald Bailey a la bateria.
En la década de 1970, Smith abrió su propio club en Los Angeles, tocando regularmente con el guitarrista Paul C. Saenz, Larry Paxton en la batería y Freddy García en el saxofón.
A menudo llamado el padre del acid jazz, Smith, vivió para verse reflejado en este estilo.
Smith influyó en una constelación de organistas de jazz , entre ellos Jimmy McGriff, Brother Jack McDuff, Richard "Groove" Holmes, Joey DeFrancesco, Larry Goldings o así como del rock como su buen amigo Brian Auger, Jon Lord o Keith Emerson.
En 1999, Smith hizo una aparición en el álbum “¡Increíble!”, grabado en vivo en el Festival de Jazz de San Francisco en 1999, con su protegido Joey DeFrancesco.
Smith y DeFrancesco más tarde colaboraron tocando juntos en “Legacy “, álbum póstumo de Jimmy Smith, lanzado en 2005 poco después de su muerte.

Roy Ayers Ubiquity - Change Up The Groove (1974 US Jazz Funk)

2011-09-04T00:52:00.000-07:00

Roy Ayers es un vibrafonista y cantante estadounidense de jazz y R&B. Ayers nació en Los Ángeles, creciendo en una familia dedicada a la música con lo que le llevo desde muy joven a foguearse con diferentes formaciones, siendo una de ellas la West Coast Jazz, grabando con músicos como Curtis Amy, Jack Wilson, Teddy Edwards o Herbie Mann.
Con el versátil flautista Herbie Mann colaboro durante cuatro años (1966-1970), participando en el aclamado disco de Mann “Memphis Underground” (1969), grabando tres discos como solista bajo la supervisión del flautista.
Más tarde, a principios de los años setenta, forma su propio grupo: Roy Ayers Ubiquity, contando con artistas como Sonny Fortune, Billy Cobham, Omar Hakim o Alphonse Mouzon.
Influenciados en principio por el Miles Davis electrónico y por Herbie Hancock Sextet, el grupo de Ayers fue abandonando progresivamente el jazz para aproximarse al R&B/funk o los ritmos más bailables.
No obstante esa versatilidad y capacidad de adaptación nunca le hizo perder el swing, colaborando con gente como Stanley Clarke a Branford Marsalis pasando por los raperos The Roots.
Roy Ayers en los 80’s grabo y realizó giras con el multiinstrumentista nigeriano Fela Kuti, activista de los derechos humanos y creador del género afrobeat (fusión entre jazz, funk y cantos tradicionales africanos), formando la compañía Uno Melodic Records, produciendo y escribiendo canciones para otros artistas.
“Change Up The Groove” (1974), como indica el propio nombre de la formación, se plasma la ubicuidad, Ayers tiene la capacidad para estar al mismo tiempo en varias tendencias de sonidos a la vez, siendo de alguna manera uno de los precursores de ese sonido que más tarde se denominaría Acid Jazz.
Con la ilustración de la portada de Harriet Millman, Roy Ayer se hace acompañar de una gran pléyade de músicos:
Backing Vocals - James "BJ" Boston, Monica Burruss, Terry Burrell, Wayne Garfield
Bass - Wilbur Bascomb
Congas, Percussion - Chano O'Ferral
Drums - Bernard "Pretty" Purdy, Wilby Fletcher
Guitar Ritmica - Gil Silva, Jerry Friedman
Guitar solista - Calvin Brown
Piano, Clavinet, Electric Piano - Harry Whitaker, Leon Pendarvis
Saxophone (Soprano) - George Braith

Grand Funk Railroad - Live Album (1970 US Hard Rock)

2011-08-29T01:00:00.000-07:00

Grand Funk Railroad se formo en 1968, como power trio, en Flint, Michigan, derivada de la formación Terry Knight and the Pack, un combo de rock de los años 60’s llamado en principio The jazz Master, que estaba integrado por el cantante Terry Knght, el bajista Mark Farner y el batería Don Brewer.
Con la incorporación a la banda del bajista Mel Schacher antiguo componente de garaje ? & the Mysterians, Farner paso a ocupar el puesto de guitarrista, mientras Knight dejaba el instrumento para trabajar como productor y representante de la banda.
Así pues nacen: Grand Funk Railroad, apelativo derivado de la compañía ferroviaria Grand Trunk Railroad de Michigan, con un estilo muy definido por la fusión del Rock con el Funk y Blues.
En un periodo frenético de producción que va desde 1968 hasta 1971, en el cual graban hasta cinco disco de estudio: “One Time” (1969), “Grand Funk” (1969, disco rojo), “Close to Home” (1970), “Survival” (1971), con versiones de Traffic ("Feelin' Alright") y de los Rolling Stones ("Gimme Shelter"), “E Pluribus Funk” (1971, disco de la moneda) y el directo “Live Album” (1970), cerrándose así un ciclo, para muchos, la mejor y más creativa, en la carrera de esta mítica banda.
A partir de aquí las diferencias del grupo con el productor y representante Terry Knight hacen que este salga de la formación. Los conflictos legales posteriores con Knight por el derecho a la utilización del nombre hacen abreviarla, quedándose solo en Grand Funk.
No obstante en esta nueva etapa con la incorporación de un cuarto miembro, Craig Frost a los teclados, gravan unos discos interesantes como “Phoenix (1972) y “We Are American Band” (1973) o “Shini On” (1974) que llegaría al gran público.
“Live Album” es el primer álbum en vivo de Grand Funk Railroad, lanzado en noviembre de 1970 con las limitaciones propias de la época, muy primarias, con respecto a la tecnología de hoy en día, pero suplidas con una espontaneidad y frescura que le hizo ser unos de los mejores lives de los 70.
La mayor parte del disco está sacado de una actuación en Jacksonville el 23 de junio de 1970, completado con tomas del día siguiente en Palm Beach (Florida).
De este álbum se extrae el single “Inside Looking Out “ en la cara A y “Paranoid” en la cara B con la característica de que había que reproducirlo a 78 rpm (los singles se reproducen a 45rpm) dado de la duración de los temas.

Marie ‘Queenie’ Lyons - Soul Fever (1970 US Soul)

2011-08-21T02:17:00.000-07:00

Marie ‘Queenie’ Lyons tuvo el más que suficiente talento, voz y tablas para verse convertido en toda una estrella del soul de los 60s’ y 70s’ a igual que muchas divas de la época.
Marie solo tuvo la oportunidad de grabar un solo álbum ‘Soul Fever’, pasando totalmente desapercibido, por lo que su figura se desvaneció hasta desaparecer sin saber nada mas de ella.
‘Soul Fever’ con el transcurso de las décadas, se ha convertido en un clásico de culto y, para muchos, establecido como uno de los álbumes de soul sureño más preciados de aquellas prolíficas décadas.
Fuese por la causa que fuese, Marie, fue una artista maldita: falta de promoción, desinterés de los propietarios del sello discográfico o simplemente que la escena negra era tan prolífica y rica a principios de los 70 que, irremediablemente, no todos los artistas pudieron alcanzar el estrellato.
Original de Louisiana, “Queenie”, se fogueo recorriendo el Circuito Chitlin’ (serie de salas del sureste de EEUU en las que se aceptaba a músicos afro-americanos), haciendo su primera aparición profesional en 1963 para más tarde cantar con la banda de King Curtis. Durante el resto de la década de los 60, estuvo contratada como telonera para varios de los mejores artistas de R&B incluyendo a Jackie Wilson, Fats Domino, The Coasters, Jerry Lee Lewis o el mismísimo James Brown.
‘Soul Fever’ es un álbum editado por Deluxe records en 1970, subsello de King Records, discográfica de James Brown que dicen que pudo apadrinarla e incluso está detrás de algún tema del álbum. El sello Vampisoul lo reeditó a principios del 2008.
La voz sureña de Marie con la buena fusión de todos los elementos del soul-funk más salvaje de la época hace de ‘Soul Fever’ un exquisito disco; con algunas composiciones escritas por un joven Don Pullen, quien supuestamente también toca en el disco, donde también encontramos la tremenda versión de ‘Fever’ de Ella Fitzgerald.

Yesterday's Children - S/T (1969 US Hard Rock)

2011-08-14T14:57:00.000-07:00

Yesterday's Children fue una Banda estadounidense de Connecticut, formada en el 1966, liderado por los hermanos Denis Croce a la guitarra y Richard Croce a la voz, con Reggie Wright a la guitarra solista, Chuck Maher al bajo y Ralph Muscatelli a la batería.
Debutaron con el sencillo ‘To Be Or Not To Be’ con tintes garageros, contundente y demoledor para seguidamente verse tentados por los sonidos de finales de época con una combinación Psychedelic –progresivos con heavy/hard blues rock, convirtiéndose en el preámbulo de lo que más tarde muchas bandas tomaran el mismo camino.
Este sonido se vio reflejado en lo que sería su único disco de larga duración, titulado con el mismo nombre del grupo, “Yesterday's Children” (1969). La voz rokera y bestial de Richard Croce, los riff y duelos guitarreros de Denis Croce y Reggie Wright que junto a la contundencia de la base rítmica de Chuck Maher al bajo y Ralph Muscatelli a la batería harían de este disco todo un clásico entre seguidores pre heavies setenteros.
Esplendoroso ramillete de canciones entre la que destaca, para muchos, una de las mejores versiones de “Evil Woman”, compuesta por Dave Wagner y Dick y Larry Wiegand de la formación Crow (banda de blues-rock con sede en Minneapolis), aparecida en su segundo álbum “Crow Music” (1969).
“Evil Woman” es un temazo que en aquel tiempo era muy habitual su versión, en la que también destacan las hechas por Spooky Tooth o los mismisimos Black Sabbath con la que debutan en su primer single lo que les proporciono grabar su primer LP.
Discografia:
To Be or Not to Be - Baby I Want You (single–1966)
To Be or Not to Be (EP-1967)
Yesterday's Children (LP-1969)
What of I - Evil Woman (single-1970)

Peter Green with Nigel Watson - The Robert Johnson Songbook (1998 UK Blues)

2011-08-03T01:55:00.000-07:00

El británico Peter Green se puede decir que fue uno de los precursores del denominado "British Blues", comandando los primeros Fleetwood Mac (1967-70) antes de pasar a sustituir a Clapton en los Bluesbreakers de John Mayall .
Ya en solitario, durante la década de 1970 y principios de 1980, Peter Green, le vino el declive por exceso de consumo de ácidos lisérgicos lo, que le provoco una enfermedad mental, que le hizo desaparecer del panorama musical.
En 1995, Peter Green, se encontró con su viejo y colaborador guitarrista Nigel Watson, el cual le ayudo a salir y ver la luz al final del tune, animándole a retornar a la música.
Watson y Green formaron el Grupo de Peter Green Splinter, lanzado unas series de álbumes en los años siguientes, hasta que el grupo se separó en 2004.
The Robert Johnson Songbook (1998), un completo retorno de Green a sus raíces de blues, fue el segundo álbum de este proyecto compuesto únicamente de las canciones compuestas por el legendario “Mississippi Delta bluesman” Robert Johnson.
Roger Cotton (teclados) y Larry Tolfree (batería) reemplaza respectivamente, de su anterior álbum, a Spike Edney y Cozy Powell que junto Neil Murray (bajo) y los propios Nigel Watson y Peter Green conforman la alineación. Además cuenta con la aparición especial del vocalista, exFree, Paul Rodgers en el tema que cierra el disco “Sweet Home Chicago”.
Robert Johnson, un músico fabuloso que vivió una vida romántica, según cuenta la leyenda, fortalecida con el paso del tiempo, vendió su alma al diablo en un cruce de caminos con el fin de tocar la guitarra y cantar el blues. Robert Johnson murió joven a manos de un marido celoso que envenenó el whisky de Johnson, dejando tras de sí un puñado de canciones.
“The Robert Johnson Songbook” es un disco que hace afición y deleita al experimentado y buen aficionado al blues.

Danko Jones - We Sweat Blood (2003 Can Hard Rock)

2011-07-22T14:27:00.000-07:00

Danko Jones es una banda de hard rock originaria de Toronto, Canadá. La banda está formada por Danko Jones (voz/guitarra), John Calabrese (bajo) y Dan Cornelius (batería).
Formada en 1996 la banda comenzó tocando en Canadá y el noreste de los Estados Unidos, siendo teloneros de grupos como The New Bomb Turks, Nashville Pussy, Blonde Redhead, The Make-Up, The Dirtbombs, The Chrome Cranks y The Demolition Doll Rods.
Originalmente, la banda no quería lanzar un álbum para que su fama como banda en directo se propagara mediante el boca a boca; Aunque, mas tarde, dieron marcha atrás lanzando un EP de seis canciones, posteriormente editaron, en 1999, el EP "My Love Is Bold" consiguiendo ser conocido gracias al tema "Bounce".
“We Sweat Blood” (2003) Danko, John y Dan se postulan como una de las bandas de rock más consistentes y fiables, afianzándose como un poderoso trió de hard, lejos ya de sus comienzos como formación de punk de garaje.
Sin inventar nada nuevo, consigue crear un sonido propio y muy distinto. Si a eso le unimos su actitud agresiva y sus tablas del escenario tenemos una banda que quizás no se convierta en un clásico, pero que hoy por hoy es uno de los más dignos y disfrutables dentro del panorama rock.
Discografía:
Sugar Chocolate 7" (1998)
Danko Jones EP (1998)
My Love is Bold (1999)
I'm Alive and On Fire (2001)
Born a Lion (2002)
We Sweat Blood (2003)
Sleep Is the Enemy (2006)
Never Too Loud (2008)
Below the Belt (2010)

O´Funk'illo - Sesión Golfa (2011 Funk Rock Spain)

2011-07-15T14:17:00.000-07:00

O'funk'illo es una banda de rock procedente de Sevilla, Andalucía, España, con una amplia variedad en sus composiciones, que va desde el Funk, hard-Rock y metal al flamenco y el reggae. Su nombre proviene de mezclar la expresión andaluza "ojú killo" con Funk.
Después de cinco años sin publicar nuevo disco, en 2010, se lleva a cabo la reunión de O´funk´illo con el motivo de celebrar el décimo aniversario del lanzamiento de su primer disco.
En principio la idea de la reunión fue dar un número limitado de conciertos aunque el buen rollo del reencuentro entre Andreas Lutz (vocalista), Pepe Bao (bajo) y Javi Marciano (guitarra) sirve para limar asperezas entre ellos.
Una vez que deciden reanudar el proyecto de manera indefinida, prolongándose la gira todo el año 2011, se ponen manos a la obra en su nuevo disco, ”Sesión Golfa”, que sale a la luz este junio pasado de este mismo año.
Buena noticia para todo sus seguidores, se cuenta por legiones, que abarrotan auditorios y salas por allí donde actúan, dando buena medida de su capacidad, donde tienen que darla las buenas bandas de Rock , que no es otro sitio, que los directos.
Interviene colaborando en el tema “Bulemetal” Raimundo Amador a la guitarra y el cantaor flamenco Manuel Molina rememorando lo que ya hizo hace cuatro décadas atrás con Smash, el cual hace la introducción y finalización en el tema.
Susana "Funkwoman" Ruiz y Athanay a los coros, Ginés Brown al saxo tenor /flauta, la trompeta de Dani Amatulo, el trombón de Tom Johnson y los teclados de Álvaro Gandul acompaña a Lutz, Bao y Marssiano.
Discografía:
• O'Funk'illo (2000). Producido por Nigel Walker.
• En el Planeta Aseituna (2003). Producido por O'Funk'illo.
• No te cabe na' (2005). Producido por O'Funk'illo.
• Sesión Golfa (2011). Producido por O'Funk'illo y Alvaro Gandul.

The Kinks - Muswell Hillbilliesde (1971 UK Rock)

2011-07-08T15:11:00.000-07:00

Ray Davies (acoustic guitar, lead vocals) y Dave Davies (lead guitar) fueron, en 1963, los miembros fundadores de la banda The Kinks con Peter Quaife ((bajo) y Mick Avory (batería, percusión) como formación original.
Su primer álbum fue “Kinks”, lanzado en 1964 que consistía mayoritariamente en versiones de temas de otros artistas y canciones tradicionales recicladas.
Después de una gira extensa fueron vetados en los EE.UU por un periodo de cuatro años, atribuido a su comportamiento tan rudo en el escenario, lo que les animo definitivamente a cambiar su estilo hacia tradiciones de la música y cultura inglesa en tiempos en el que muchos otras bandas británicas hacían todo lo contrario en favor del R&B y blues estadounidense. No obstante fue una de las bandas más influyentes de la llamada “invasión británica” en EE.UU. y el resto del mundo.
“Muswell Hillbilliesde“ (1971) es su noveno álbum de estudio, el título del mismo se debe a Muswell Hill, un área del norte de Londres, donde los hermanos Davies formaron la banda y se criaron. En este trabajo se aprecian canciones que hablan sobre la vida de la clase obrera y, una vez más, de la niñez de Ray y Dave Davies con influencias del music hall y de estilos musicales tradicionales de Estados Unidos, como el country y el bluegrass. Para muchos considerado como su último gran disco, a pesar de que no tuvo tanto éxito comercial como sus predecesores.
“Muswell Hillbilliesde” fue también el primero de los registros de The Kinks con su nueva sección de metales (Mike Cotton a la trompeta y John Beechan al trombón y tuba). John Gosling a los teclados, John Dalton al bajo (en 1969 sustituyo a Peter Quaife) y Mick Avory a la batería que con los hermanos Davies forman la alineación.

West, Bruce & Laing - Whatever Turns You On (1973 US Hard Rock) Vinylrip.

2011-07-01T14:54:00.000-07:00

West, Bruce & Laing fueron un power trío de blues-Hardrock integrado por los estadounidense Leslie West (guitarra y voz), Corky Laing (batería y voz) y el británico Jack Bruce (bajo y voz).
El trío se formo en Chicago en la primavera de 1972 tras la desintegración de Mountain, la anterior banda de Laing y West, a los se les sumo Jack Bruce miembro de la legendaria banda de rock británica de los 60’s Cream.
La formacion realizó giras y lanzó dos álbumes de estudio: “Why Dontcha “ en 1972 y “Whatever Turns You On” en 1973. La banda se disolvió poco antes del lanzamiento de su álbum en vivo “Live 'n' Kickin'” en 1974.
“Whatever Turns You On” es el segundo álbum de estudio y el último del supergrupo.
Después del éxito que constituyó el lanzamiento de su primer álbum, el super trío entregó este extraordinario y excelente trabajo, que aúna un grupo mucho más maduro, con un extraordinaria capacidad interpretativa y, sobre todo, la persistencia de sus raíces.

El álbum incluye una tira cómica en blanco y negro en su parte delantera y trasera que muestra la supuesta juerga de los miembros de la banda (Leslie West atiborrándose de comida, Jack Bruce con alcohol y Corky Laing con chicas), encarnados en una especies de duendes traviesos, con diferentes nombres, que representan cada uno de los tres.

Shemekia Copeland - Turn The Heat Up! (1998 US Blues)

2011-06-24T16:57:00.000-07:00

Shemekia Copeland (Harlem, Nueva York, 10 de abril 1979) es una cantante estadounidense de blues, hija del guitarrista de blues y cantante Johnny Copeland.
Shemekia fue educada con el blues tejano de su padre, creciendo en Harlem, empapándose de todo tipo de sonidos urbanos y cantantes callejeros.
Más tarde acompaño, con una edad muy precoz, al mismísimo Johnny Copeland en su show en el Cotton Club, siendo parte fundamental del espectáculo como gran telonera. Shemekia Copeland adquirió las suficientes tablas que dan los escenarios que foguean y curten, esencial e imprescindible, en una intérprete de blues.
Dueña de una voz privilegiada, Shemekia , posee además esa característica tan difícil de conseguir, que diferencia a las grandes cantantes, que es el talento interpretativo .
Tras una actuación, Bruce Iglauer, presidente de Alligátor Records la ficha para su discográfica publicando su debut álbum "Turn the Heat Up!" en 1998. El álbum fue recibido con críticas entusiastas, y recorrió el circuito de festivales de blues en los Estados Unidos y Europa.
Shemekia Copeland ha superado la sombra de su mítico padre, cuatro discos solistas mas, todos de nivel más que aceptable, lo constata y confirman: “Wicked “(2000), “Talking to Strangers” (2002), producido por la leyenda R & B de Nueva Orleans Dr. John, “The Truth Soul” (2005) producido por el legendario guitarrista Steve Cropper (que también toco en el disco), contando con dosis de blues, funk y soul con sabor de Memphis y "Never Going Back" (2009).

Lucky Peterson - Lucky Strikes! (1989 US Blues)

2011-06-17T15:51:00.000-07:00

Lucky Peterson, Buffalo, Nueva York, guitarrista de blues reconocido por su virtuosismo y su voz, empezó en la música a una temprana edad siendo una especie de niño prodigio, muy parecido a lo que fueron los Jackson 5, llegando a aparecer en el Show de Ed Sullivan y en la variedad de otros programas de televisión antes de la edad de seis años llegando a grabar su primer disco: Our Future: 5 Year Old Lucky Peterson (1969).
Su principal valedor e influencia fue su padre, James Peterson, músico de blues y propietario de un club nocturno en Buffalo, donde era parada regular para los músicos de blues compañeros como Willie Dixon, Koko Taylor, Lightnin 'Hopkins y Jimmy Reed de los cuales Lucky bebió de las fuentes más tradicionales del blues.
A los 17 año ya era un consumado multinstrumentista (guitarra, teclados, bajo y trompeta) integrándose en un periodo de tres años en la banda de Little Milton, después de lo cual, siguió fogueándose en la carretera, en otro periodo muy parecido, esta vez con Bobby "Blue" Bland.
Peterson creció artística y profesionalmente, habiéndose mantenido con éxito, a través de su larga carrera, con grabaciones continuas desde los 70 hasta nuestros días, en gran parte debido a su capacidad de permanecer fiel al espíritu de la tradición del blues, mientras que al mismo tiempo, agrada al público contemporáneo.
No obstante el final de los 80’s, la década de los 90’s y ya en el nuevo milenio fue el período más prolífico para Peterson, donde prácticamente desarrolla toda su discografía y donde se encuentra “Lucky Strikes!” (1989), grabado con el prestigioso sello Alligator Rercord, para muchos uno de sus mejores trabajos.
Otra faceta de Peterson son sus directos, auténticos show, en los que no solo se baja del escenario a mezclarse con su público y llegar al ambigú, sino que si tiene la oportunidad sale del teatro o salas a la calle donde sin dejar de tocar la guitarra la cruza para volver de nuevo sobre sus pasos ante los vítores de sus seguidores y los sorprendidos viandantes: todo un espectáculo.

GusGus - Polydistortion (1997 Islandia Electronic)

2011-06-10T15:38:00.000-07:00

GusGus es un grupo de música electrónica, originarios de Reykjavik, Islandia, fundado en el año 1995. Durante su historia, sus miembros han cambiado con regularidad, entre los más famosos de estos, incluyen a la cantante italo-islandesa Emilíana Torrini y sus miembros actuales son liderados por Stephan Stephensen y Birgir Þórarinsson.
El grupo fue concebido originalmente como una compañía o colectivo para desarrollar una amplia faceta cultural: DJs, cineastas, cantantes, actores, fotógrafos y diseñadores pero que finalmente termino conociéndose por su música.
La música de Gusgus es ecléctica, experimentando con otros estilos que a igual que sus compatriotas Björk y Sigur Ros, han desarrollado un sonido muy propio, innovador y desafiante, muy accesible y hasta en cierta forma bailable con un toque pop perverso, tanto es así, que la banda se considera como una referencia del sexo. Gus Gus probablemente sea la banda más aclamada y exitosa que ha emergido de Reyjavik, desde The Sugarcubes.
El nombre de la banda lo toma de escenas de la película alemana “Ali: Fear Eats the soul” (1974 ) de Rainer Werner Fassbinder, donde el personaje femenino cocina cuscús para su amante, pronunciándolo como "GusGus".
Discografía:
•Gus Gus. 1995
•Polydistortion. 1997
•This Is Normal. 1999
•Gus Gus vs. T-World. 2000
•Attention. 2002
•Mixed Live at Sirkus, Reykjavik. 2003
•Forever. 2007
•24/7 (2009)

Jimi Hendrix - Rainbow Bridge (1972 US Rock) Vinylrip.

2011-06-03T15:54:00.000-07:00

“Rainbow Bridge” es la banda sonora de la película del mismo nombre, de 1972, dirigida por Chuck Wein que cuenta una historia drama-ficción de un viaje místico a la isla de Maui, Hawaii, construida alrededor de un concierto final de Jimi Hendrix.
La protagonista, encarnada en la actriz Pat Hartley, se traslada a Hawai para un "despertar espiritual" a través de una visita al culto a la meditación planetaria del “Rainbow Bridge“, para absorbe de la comunidad local, de primera mano, la contracultural. Hartley asiste a un concierto de Hendrix, durante la meditación, donde la comunidad se pliega deslumbrante al virtuosismo de su guitarra.
Un concierto gratuito de la Jimi Hendrix Experience con el bajista Billy Cox y el baterista Mitch Mitchell que se celebró el 30 de julio de 1970, en una pradera a los pies del volcán Haleakala.
La película incluye una entrevista entre Wein, Hartley y Jimi donde a través de una bruma lisérgica habla de su vida, creencias y parece profetizar su muerte, que se produciría sólo 48 dias más tarde.
La banda sonora, en realidad, no contiene los temas propios, en sí, del concierto del film (fue grabado en estudio) debido a su calidad de sonido muy deficiente a causa de los fuertes vientos de ese día. No obstante, tres décadas después fue distribuida su grabación hasta que se retiró debido a una acción judicial por “Experiencia Hendrix” que hace que está sea oficialmente una "versión pirata" de CD.
El concierto “Rainbow Bridge” fue la penúltima actuación de Hendrix en los Estados Unidos, su última fue dos días después, el 1 de agosto de 1970, en Honolulu, Hawai. Hendrix murió menos de dos meses después, el 18 de septiembre de 1970 en Londres, Inglaterra.

Jerry García Band - Cats Under The Stars (1978 US West Coast) Vinylrip.

2011-05-28T10:07:00.000-07:00

Jerry García Band fue un proyecto, paralelo a Grateful Dead, liderado por Jerry García; uno de los músicos artífice de ponerle banda sonora a la contracultura y el movimiento hippie de los 60 del siglo pasado, cuyo epicentro nació de la bahía de San Francisco, extendiéndose por todo el mundo.
García fundó la banda en 1975 que al igual que los Dead mantuvo la línea de influencia de folk, country y jazz. La formación también tocó rhythm and blues, reggae y versiones de rock de la música de raíces norteamericana.
Las entradas y salidas de sus miembros era la constante de la banda siendo el bajista John Kahn junto al teclista Melvin Sellos, aunque este entro en 1980, los únicos que permanecieron a su lado, convirtiéndose Sellos en líder de la banda tras el fallecimiento de Jerrry en 1995, cambiando el nombre al acrónimo JGB.
Al igual que los Dead, la Jerry Garcia Band, su fuerte era los directos con sus habituales improvisaciones dando lugar a lo que hoy es conocido como Jambands por lo que no dejo mucho legado de estudio solo “Cats Under The Stars” (1978) y el directo Jerry Garcia Band (1991), oficialmente, apareciendo varios álbumes mas, en vivo, después de su muerte.
“Cats Under The Stars” es el 4º disco en solitario de Jerry Garcia y el primero que firma como Jerry Garcia Band, grabado a finales de 1977 y publicado en 1978, en el cual, Jerry cuenta con músicos de los Dead como Keith Godchaux a las teclas y la vocalista Donna Jean Godchaux. El mencionado John Kahn al bajo, Ron Tutt a la batería, Merl Sauders al órgano y la incipiente, entonces, María Muldaur a la voz y coros completan la formación.
Un disco que Jerry, en una de sus últimas entrevistas, recordaba entre sus mejores trabajos y uno de sus favoritos.
Discografia:
• Cats Under the Stars – 1978
• Jerry Garcia Band – 1991
• How Sweet It Is – 1997
• Don't Let Go – 2001
• Shining Star – 2001
• After Midnight: Kean College, 2/28/80 – 2004
• Let It Rock: The Jerry Garcia Collection, Vol. 2 – 2009

Peter Frampton - S/T (1994 UK Rock)

2011-05-20T14:13:00.000-07:00

El británico Peter Frampton fue un músico muy precoz, tanto es así, que forma su primera banda en la escuela, "The Little Ravens", con David Bowie, tocando temas de Buddy Holly e incluso es representado como manager en 1966 por Bill Wyman. En 1969 entra a formar parte de Humble Pie con Steve Marriott. Tras cinco exitosos álbumes con esta banda, decide marcharse y formar su propia formacion.
Frampton debutó en solitario con el álbum “Wind Of Change” (1972), siguiéndole un ramillete de tres discos mas como preludio y eclosión final del aclamado directo doble “Frampton Comes Alive!” grabado en San Francisco en 1976, cerrando de alguna manera una etapa gloriosa.
En 1987 se vuelve a reencontrar con David Bowie que junto a Carlos Alomar hacen una gira de dos años con “Glass Spider World Tour”, mudándose a Los Ángeles tras su finalización.
En 1990, esta vez, es con Steve Marriot con quien se reencuentra, con la intención de una segunda etapa con Humble Pie, llegando a componer algunos temas, pero Marriott muere en abril de 1991 en un incendio en su casa, frustrándose así el proyecto. Dos canciones de esta colaboración, "The Bigger They Come" y "I Won't Let You Down" con la voz de Steve Marriott, apareció en “On Frampton's album Shine On: A Collection”.
La muerte de Marriott fue lo que impulso a Frampton a un revival de sus comienzos “Era otra razón por la que sentí que tenía que volver atrás en el camino” declaro el propio Peter. Es así como en 1994 se vuelve a meter de nuevo en el estudio, después de seis años, para grabar su undécimo LP titulado como su propio nombre, “Peter Frampton”, en lo que de alguna manera intenta volver al mejor Frampton de los 70.
Frampton rinde tributo a Marriott incluyendo el tema “Out Of The Blue”, compuesto por Frampton/Marriott, de dicho reencuentro, en el cual aparece la voz de Steve Marriott, que grabo en su momento y, que la tecnología nos proporciona el milagro.

Savoy Brown - Looking In (1971 UK Blues Rock)

2011-05-13T14:14:00.000-07:00

Los inicios del grupo británico Savoy Brown se remontan al año 1966 cuando el guitarrista, pianista y cantante Kim Simmonds, influenciado por los sonidos de blues y r&b allende al Atlántico, forma The Savoy Brown Blues Band, más tarde abreviado como Savoy Brown, en lo que se domino el “British Blues”.
Longeva formación que siempre ha girado en torno a Kim Simmonds con entradas y salidas de músicos en su formación y que sigue en la carretera editando discos hasta nuestros días. Su amplia discografía la componen más de 30 trabajos entre discos en estudio y directos, editando su último disco, “Steel”, en 2007.
No obstante la etapa más gloriosa fue a finales de los 60‘s y principio de los 70’s con un ramillete de discos editados: “Shake down” (1967), compuesto básicamente de versiones, principalmente de Willie Dixon, “Getting To The Point” (1968 ), “Train To Nowhere” (1969), álbum que abre con el esplendido tema “Blue Matter”, “A Step Further” (1969), “Raw Sienna” (1970) y “Looking In” (1971).
Esta época es si acaso la más blusera, con la formación más duradera y solida de su existencia y con el aporte esencial de Dave Peverett (conocido como “Lonesome Dave”) a la voz, guitarra y piano y, que posteriormente formo y lidero Foghat. Roger Earl a la batería y Tone Stevens al bajo complementaron la sección rítmica.
"Looking In" (1970) fue el sexto álbum del grupo y está considerado por muchos como uno de los mejores trabajos de Savoy Brown, donde el protagonismo lo lleva Dave Peverett a la voz y guitarra principal, respaldado por el piano de Kim Simmonds.

Buffalo Springfield - S/T (1966 US Pop Rock)

2011-05-06T11:18:00.000-07:00

Si hablamos de Neil Young, Stephen Stills, Richie Furay y Jim Messina parece que estamos ante un supergrupo, pero que allá de mediados de los 60’s no eran lo que posteriormente fueron, sino unos músicos desconocido que se abrían camino, pateándose buena parte de Norteamérica; encontrándose en 1966 en la ciudad de Los Angeles y que dieron el nombre de Buffalo Springfield.
Uno de los grupos musicales más importantes de los años 60 que combinaron los sonidos propios americanos como el country, folk y blues con el pop y el rock, siendo pioneros juntos a otros como los Byrds del camino a seguir de lo que más tarde fue el country-rock y el folk-rock.
La banda publicó sólo tres álbumes en un periodo de prácticamente de dos años: "Buffalo Springfield" (1966), "Buffalo Springfield Again" (1967) y "Last Time Around" (1968). Enfrentamientos de egos en una relación de amor y odio, una constante, entre Still y Youg dieron lugar a cambios continuos en la formación de la banda, finalmente culminados en la disolución.
"Buffalo Springfield" (1966) es el álbum debut y homónimo de la banda que contenía temas como el himno generacional "For what it's worth" (compuesto por Stephen Stills como protesta por los violentos métodos policiales tras una pacífica manifestación), o bellas piezas pop de logradas melodías y armonías como "Flying on the ground is wrong".
Las composiciones del álbum estaban compartidas por Young y Stills, aportando ambos en la escritura lo mejor de su talento.
Tras la desbandada Stills formó grupo con David Crosby, de The Byrds, y con el británico Graham Nash de The Hollies; Neil Young inició su carrera en solitario, si bien se implicó de forma importante en varios de los álbumes de CS&N, perpetuando así sus complicadas relaciones con Stephen Stills. Furay y Messina fundaron Poco antes de dedicarse a otros proyectos.

Alex Chilton - 1970 (Powerpop US 1996)

2011-04-29T11:09:00.000-07:00

Nacido en Memphis, Tennessee, Estados Unidos, Alex Chilton, fue un cantante, guitarrista y compositor con influencias del soul sureño y los sonidos de la invasión Británica: Beatles, Rolling Stones, Zombies o Who, lo que termino por moldear un estilo propio, primero con los Box Tops, para continuar con Big Star y más tarde en solitario.
A una edad muy precoz, tan solo dieciséis años, ya despunta su talento con los Box Tops con los cuales llega a editar hasta diez singles y cuatro álbumes en un periodo de 1967-70: “The Letter/ Neon Rainbow” (1967), “Cry like a baby” (1968 ), “Non Stop” (1968) y “Dimensions” 1969), destacando canciones inolvidables como “The Letter” quizás el hit más corto de la historia del pop-rock con solo 1,55 de duración.
En 1970 Box Tops se disuelve y Alex Chilton crea Big Star junto a Chris Bell, dando riendas sueltas a un estilo melódico más tarde conocido como power-pop.
Big Star editan tres discos en la década de los 70, discos que terminaran siendo de culto: “#1 Record” (1972), “Radio city” (1973) y "Third/Sisters Lovers" (1978). Chris Bell, por continuas disputas con Chilton, abandona la formación con el primer disco. A comienzos de 2004 Chilton reúne unos nuevos Big Star junto a dos miembros de The Posies Jon Auer y Ken Stringfellow de lo que resulta el álbum ”In Space” (2005).
Alex Chilton comienza una larga carrera en solitario, que combina con colaboraciones con otros artistas, como el caso de los Panther Burns de Tav Falco, o el disco “Cubist Blues”, con Ben Vaughn y Alan Vega e incluso produciendo y apadrinando a grupos como The Cramps. Una decena de discos es el legado de Chilton en esta época en el que se encuentra “1970“ publicado en 1996 en el que rememora una fecha clave en su vida.
Alex Chilton fue un maldito en vida y mito con su muerte, que se produjo en 2010 a los 59 años de un ataque al corazón.
Discografía en solitario:
Like Flies On Sherbert. 1979
Bach’s Bottom. 1981
Live In London. 1982
Feudalist Tarts. 1985
High Priest. 1987
Black List. 1989
Cliches. 1993
A Man Called Destruction. 1995
1970. 1996
Loose Shoes & Thight Pussy. 1999
Live In Anvers. 2004

Demian - Demian (1971 US Hard Psych)

2011-04-23T01:36:00.000-07:00

Demian en realidad es la continuación de los que fueron Bubble Puppy que cambiaron de nombre, por razones legales, debido a las fricciones con su compañía la International Artists (Houston), sello especializado en rock psicodélico y que entre otros tenia a grupos como 13th Floor Elevators o The Red Krayola.
Formados en 1964 en Austin, Texas (Estados Unidos) por el guitarrista Rod Prince y el bajista Roy Cox, los cuales buscaban formar una gran banda de rock basada en duelos entre dos guitarras solistas para lo que se les unió Todd Potter, saxofonista y guitarrista, completando la formación Danny Segovia a la batería más tarde sustituido por David "Fuzzy" Fore.
En 1968 editan el single "Hot Smoke & Sasafrass" muy popular en Europa pero desapercibido en su propio país, posteriormente en 1969 la banda publico el que fue su único LP, “A Gathering of Promises” como Bubble Puppy.
Este relativo poco éxito comercial no hizo otra cosa que la ruptura con la discográfica definitivamente. La formación cambia de compañía mudándose a los Angeles contratados por Nick St. Nicholas como mánager (entonces, bajista de Steppenwolf) cambiando el nombre por Demian. Con este nuevo nombre publicaron un único disco, "Demian" (1971). Con un sonido más duro de nuevo fallaron en las listas comerciales, por lo que finalmente se separaron.
Los miembros continuaron en activo en el mundo de la música, Potter y Prince tocaron con Sirius a finales de los 70. Fore siguió tocando la batería en el grupo tejano de punk rock D-Day, y fue co-autor de su éxito "Too Young to Date".
El nombre "Bubble Puppy" fue tomado de "Centrifugal Bumble-Puppy", un juego infantil que aparece en la novela "Un mundo feliz" (1932) de Aldous Huxley y “Demian” fue obtenido de la novela de Herman Hesse “Demian “(1919).
Discografía:
Como Bubble Puppy
• "Hot Smoke & sasafrass" (International Artists, 1968). Single.
• A Gathering of Promises (International Artists, 1969). LP.
Como Demian
• Demian (ABC-Dunhill, 1971). LP.

Stone the Crows - Ontinuous Perfomance (1972 UK Blues Rock). Vinyl rip

2011-04-16T12:50:00.000-07:00

Stone the Crows fue una banda de blues rock procedente de Escocia liderada por Magie Bell y el guitarrista Leslie Harvey a quienes se les unió las sección rítmica que había tocado con John Mayall, el bajista Jim Dewar, el tecladista Jon McGinnis y el baterista Colin Allen.
Todo comenzó alentado por Alex Harvey cuando invito a subir a Magie Bell al escenario para participar en una jam con The Sensational Alex Harvey Band, Impresionado por su talento, Harvey la llamó a participar en una banda llamada Power, al lado de su hermano Les Harvey.
Posteriormente el productor Peter Grant, que entre otros grupos llevaba a Led Zeppelin, al escucharlo en una actuación exclamo: ¡Stone the Crows! (expresión coloquial inglesa para denotar sorpresa), dicho y puesto, a partir de ese momento paso a la llamarse Stone the Crows, además de ser su manager.
Stone the Crows grabo cuatro disco en el periodo que va de 1969 a 1972, año que la formación se disolvió al no poder soportar la pérdida de su guitarrista Les Harvey al morir electrocutado durante un chequeo de sonido previo a un concierto, Les tocó un "en vivo" micrófono y su guitarra al mismo tiempo.
No obstante la formación tenia compromisos pendientes y un álbum por terminar, Peter Green se postulo como sustituto de Les, retirándose a última hora, e incluso Steve Howe colaboro en algunos de esos conciertos de la banda pero al final fue Jimmy McCulloch el que termino el que iba a ser su cuarto y último álbum, “Ontnuos Perfomance” (1972), que el malogrado Les Harvey dejo a medias.
Tras la desbandada Jimmy McCulloch se fue a Wing de Paul McCartney, el batería Colin Allen a Focus y Maggie publico dos álbumes en solitario, "Queen Of The Night", (1973), y "Suicidio Sal" (1975), disco grabado en los estudios de Ringo Starr y en el que participa Jimmy Page.
Discografia:
Stone The Crows. 1969
Ode To John Law. 1970
Teenage Licks. 1971
Ontinuos Perfomance. 1972

Donald Fagen - Kamakiriad (1993 US Rock)

2011-04-08T14:58:00.000-07:00

Donald Fagen (Passaic, Nueva Jersey, EE UU), fundador de Steely Dan junto a Walter Becker, en un periodo que va desde 1971 hasta 1981.
Después de la disolución del dúo, Becker se dedicó sobre todo a la producción y por su parte Donald Fagen graba “The Nightfly” (1981), tras el cual, de alguna manera, hace una travesía en el desierto en que solo colabora con otros músicos o en una que otra banda sonora para películas.
Entre 1989 y 1993 Donald Fagen crea la New York Rock & Soul Revue, un proyecto que se desarrolló a partir de una serie de conciertos y espectáculos musicales, acompañándole entre otros, Phoebe Snow, Michael McDonald o Boz Scaggs, el cual se plasma y publica en el disco “The New York Rock and Soul Revue: Live at the Beacon”. En el transcurso de este tiempo, Fagen, ya tiene en mente y compone lo que sería su siguiente disco.
"Kamakiriad" (1993) es el segundo álbum en solitario de Donald Fagen donde nos narra, en 8 cortes de canciones optimistas, la Kamakiri (amantis religiosa en japonés) a bordo de su coche de alta tecnología, un viaje futurista e interestelar.
Fue precisamente el lanzamiento de Kamakiriad, lo que propicia la vuelta Steely Dan, ya que Walter Becker colabora y fue el productor del trabajo y, a raíz del cual, se embarcan en una gira como Steely Dan para apoyar el álbum, de la cual salió el directo “Alive in America! (1995).
Con la publicación de su último disco en solitario “Morph The Cat” (2006), de alguna manera, Fagen completa una trilogía y que el propio músico, en una entrevista, declara que los tres únicos discos que ha publicado en solitario desde 1981 "se han convertido en un relato" sobre su vida, ya que concibió The Nightfly en "un momento de juventud"; en Kamakiriad "se percibe la madurez" y Morph the cat "trata sobre el final de la vida".

Cal Tjader - Primo (1973 US Latin Jazz)

2011-03-29T15:18:00.000-07:00

Cal Tjader fue un vibrafonista y compositor estadounidense, que no siendo latino, llegó a ser el más famoso líder de una banda de latín jazz.
De origen sueco creció en medio de un ambiente musical y teatral, estudiando en el San Francisco State College donde se inicio en el estudio de la batería, fogueándose al mismo tiempo, en pequeños grupos musicales de California.
Intérprete inicialmente de bop y de cool, su evolución musical lo llevó a especializarse en la fusión del jazz con la música latina.
Sus comienzos fue con el trío de Dave Brubeck con quien grabó varios discos como batería, posteriormente se unió al grupo de latinjazz de George Shearing ya como vibrafonista y percusionista. Durante su estancia en este grupo, Tjader, se enamoró de la música latina, formando su propia banda, enfatizando el elemento latino con jazz tradicional, llegando incluso a crear su propio sello en 1968, Skye Records, junto a Gábor Szabó y Gary McFarland.
Otros músicos con los que trabajó fueron Eddie Palmieri, Charlie Palmieri, Tito Puente, Hermeto Pascoal, Laurindo de Almeida, Attila Zoller, Ray Barretto, Mongo Santamaría, Clare Fischer, Stan Getz, Carmen McRae y Airto Moreira, entre otros.
“Primo” (1973) es una grabación donde Cal Tjader interpreta clásicos de la música latina, tomando temas de Mario Bauza, Machito, Tito Rodríguez, Joe Cuba, y otros. Para esta producción Tjader forma una All Star en la que destacan las contribuciones de Charlie Palmieri en los teclados y Tito Puente en los timbales.
Musicos:
Cal Tjader - Vibes
Jose Merino, Louis Laurita - Trumpets
Jack Jeffers - Bass trombone, tuba
Bobby Nelson - Tenor saxophone
Charlie Palmieri - Keyboards
Bobby Rodriguez - Electric bass
Enrique Davila - Timbales
Tito Puente - Timbales ("Tanga" only)
Ismael Quintana, Victor Aviles, Victor Velasquez- Percussion, vocals
William Rodríguez - bongos
Luis Rodríguez – Conga

Janis Joplin - The Essential (2003 US Blues Rock)

2011-03-19T14:54:00.000-07:00

Janis Joplin fue un símbolo de la contracultura y el movimiento hippie de los 60 y para muchos una de las mejores cantantes de rock y blues de todos los tiempos, caracterizada por su estremecedora y desgarradora voz y su espíritu rebelde.
Nacida en Port Arthur, Texas, acusada de amiga de los negros por rechazar el racismo y detestada por frecuentar bares de Luisiana, donde escuchaba música negra de blues y jazz lo que la impulso a cantar a una temprana edad.
Janis se traslada a la ciudad de San Francisco dónde empezó a ser conocida, fogueándose con músicos con los que más tarde se reencontraría, como Ron "Pigpen" McKernan" (después, miembro de The Grateful Dead) incluso grabando un disco casero con Jorma Kaukonen (futuro guitarrista de Jefferson Airplane).
Por fin Janis publica su primer disco en 1967 dentro de la formación Big Brother and the Holding Company titulado como el nombre del grupo y el aclamado “Cheap Thrills” (1968) con portada de Robert Crumb, llegando actual en el Festival de Monterey en 1967.
Janis Joplin ya en solitario y con su nueva banda de apoyo la Kozmic Blues Band publican “I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!” (1969) participando el 16 de agosto de ese mismo año en el festival de Woodstock, disolviéndose posteriormente.
En 1970 su manager Albert Grossman, le propuso a Janis una nueva banda, la Full Tilt Boogie Band. En verano de ese año, Janis y su nueva formación participaron en el Festival Express junto otros artistas importantes de la época cómo The Grateful Dead, Buddy Guy y The Band.
Este mismo año, Janis se trasladó junto a la Full Tilt Boogie a Los Ángeles para grabar lo que sería su disco póstumo: Pearl. En 1971 a las seis semanas de su muerte, salió el disco Pearl (1971), como homenaje, se dejó el tema “Mercedes Benz” a capella, sin música, ya que fue la última canción que Janis grabó, asimismo, se incluyó la canción “Buried Alive in the Blues”, un instrumental, sin la voz de Janis que habría debido cantarla.
El legado de Janis fue corto pero intenso en cuanto a disco de estudio no así en cientos de grabaciones de todo tipo en cuanto a recopilaciones como actuaciones en directo; uno de ellos es este "The Essential" que recoge, con magnifica encuadernación y presentación, sus mejores temas remasterizado de su obra, con dos temas inéditos en vivo de este espíritu indómito y controvertido que marco toda una época.
CD1
CD2
CD3

Sabicas with Joe Beck - Rock Encounter (1966 Spain/USA Flamenco Rock)

2011-03-07T02:51:00.000-08:00

Agustín Castellón “Sabicas”, con sangre gitana por sus venas, nació en Pamplona, trasladándose a Madrid a temprana edad. Su extensa colaboración con importantes cantaores flamencos de la época, procedente de Andalucía, le ayudó a desarrollar un estilo único: Niña de la Puebla, Juanito Valderrama, Estrellita Castro, Niña de los Peines, El Carbonerillo o Niño de la Calzá, algunos de los cuales le acompaña también en sus grabaciones.
Exiliándose en América del Sur con la bailaora Carmen Amaya, realizan juntos varias giras estableciéndose definitivamente en Nueva York, donde se relaciona con maestros del jazz de la talla de Charles Mingus, Ben E. King, Gill Evans, Thelonius Monk o Miles Davis, donde es tratado como uno más por las discográficas, que distribuyeron sus grabaciones por todo el mundo, regresando a España en1967.
En el "Carnegie Hall" de Nueva York se le tributa lo que sería su último homenaje el 10 de junio de 1989, falleciendo en esa ciudad al año siguiente a los 83 años.
Joe Beck nació en Philadelphia, Pennsylvania, llegó a ser conocido por participar en una de las ediciones eléctricas de los grupos liderados por Miles Davis. Trabajó para Laura Nyro, Duke Ellington, James Brown, Antonio Carlos Jobim o la Fania All Stars entre muchos.
Músico de sesión, productor, y organizador de las carreras musicales de intérpretes del rock o el pop. Siempre se rodeó de grandes instrumentistas, como es, para este proyecto, el bajista Tony Levin, posterior maestro del stick con King Crimson. Joe Beck falleció en Julio de 2008.
"Rock encounter" (1966), aunque en España se publico en 1970, es la primera grabación que se reconoce como intento de fusión flamenco-rock y que en un principio fue un mero experimento, que ni siquiera fue muy valorado por los propio músicos; aunque en realidad "Rock encounter" es una sucesión de interpretaciones, en magistral ejecución de ambos estilos, dándose los músicos entrada uno a otro.
Disco básico y el eslabón principal para entender la fusión del flamenco con el jazz y el rock como la que tuvo Paco de Lucia con el piano de Chick Corea, las cuerdas de John Mc Lauglhin, Carles Benavent, Al Dimeola, Larry Corryel o el viento de Pedro Iturralde y Jorge Pardo entre otros y sobre todo las claras influencias que ejercio sobre bandas del llamado rock andaluz: Smash, Triana, Cai, Guadalquivir, Alameda, Imán Califato independiente, Tableton y muchos más.
Todos los temas están compuestos y escritos por Sabicas y Joe Beck, excepto “Joe's Tune” compuesto por Joe Beck.
Sabicas with Joe Beck son:
Sabicas: Guitarra Flamenca
Joe Beck: Guitarra Eléctrica
Donald Mac Donald: Batería
Warren Bernhardt: Teclados
Tony Levin: Bajo

Nashville Pussy - From Hell to Texas (2009 US Rock)

2011-03-01T13:53:00.000-08:00

Nashville Pussy es un grupo estadounidense formado a finales de los 90 en Atlanta (Georgia) por el cantante y guitarrista Blaine Cartwright.
Con los sonidos más tradicionales del Rock‘n’Roll: blues-rock, hard- metal, psycochobilly, glam-punk y por supuesto una pizca de rock sureño pues no hay que olvidar de donde provienen, Nashville Pussy, consigue un estilo propio.
Tras la resaca del grunge, Nasville Pussy fue uno de los grupos que eligieron un retorno a la recuperación del lado divertido y espontáneo del rock’n’roll, a la distorsión, el volumen alto; con una actitud de tipos malencarados y aficionados a la botella. Nashville Pussy se devierten y divierten a la afición en los directos e inyectándoles una energía básica heredada del punk, y en el que se sirven del erotismo de sus dos componentes femeninas, la guitarrista Ruyter Suys (mujer del cantante Blaine Cartwright) y la bajista Corey Park, que dejó la banda para formar el grupo Punk Die Hunns, dejando su puesto a la actual bajista Karen Cuda, completando la formación Jeremy Thompson a la batería.
“From Hell to Texas” es el quinto álbum y ultimo en la carrera de Nashville Pussy en estudio, aunque acaban de publicar un directo grabado durante el festival de la localidad francesa de Rennes y que recoge los primeros tiempos de la banda titulado “Live in Rennes, France 1998″ (2011).
“From Hell to Texas” son un ramillete de temas picantes, de letras políticamente incorrectas que funde la voz aguardientosa de Cartwright con crudos y sólidos riff guitarreros sin fisuras de Ruyter Suys apoyados con una sección de ritmo explosiva que proporcionan Jeremy Thompson y la exuberante Karen Cuda.
En definitiva, canciones entretenidas y festeras que es lo que trata, persigue y consigue y, vaya si lo consigue, Nashville Pussy.
Discografia:
•Let Them Eat Pussy (Amphetamine Reptile, 1998)
•High As Hell (TVt, 2000)
•Say Something Nasty (Artemis, 2002)
•Get Some (2005)
•Dirty Best Of Nashville Pussy (2005)
•From Hell to Texas (2009)
•Live in Rennes, France 1998 (2011)

Eric Clapton and Steve Winwood - Live From Madison Square Garden (2009 UK Rock)

2011-02-19T15:05:00.000-08:00

Eric Clapton y Steve Winwood dos leyendas vivas reunidas en el Madison Square Garden de NYC para grabar y filmar unas actuaciones que tuvieron lugar durante tres noches en febrero del 2008 y publicado en mayo de 2009. Clapton y Winwood están arropados por Willie Weeks en el bajo, Ian Thomas en la batería y Chris Stainton en las teclas.
Eric Clapton y Steve Winwood nos ofrecen lo mejor de su repertorio de sus inicios en compañía y en solitario. Un repaso por la discografía de The Yardbirds, Cream, Derek and the Dominos por parte de Clapton o de Spencer David Group o Traffic por la parte que le toca a Winwood, además de la super banda Blind Faith, donde coincide.
Blind Faith fue uno de los primeros supergrupo de la historia del rock (Rick Grech al bajo y Ginger Baker a la batería completaba la formación), grabando un solo disco homónimo “ Blind Faith” (1969), un excelente LP con portada censurada en la que aparecía la hija de Ginger Baker jugando con un avioncito que muchos consideraron un símbolo fálico, al disco le acompaña una breve gira ese mismo año, disolviéndose.
En "Live From Madison Square Garden" además de los temas compuestos por ellos mismos, Clapton y Winwood, tocan versiones ya conocidas y que en su momento llegaron hacerlas suyas mejorando incluso los temas originales: “Them Changes” de Buddy Miles, “After Midnight”, Low Down y “Cocaine” de J.J. Calé, “Rambling On My Mind” del mítico Robert Johnson, la inmortal “Georgia On My Mind” pieza que igualmente versiono e inmortalizo Ray Charles pero que en realidad fue escrita en 1930 por Hoagy Carmichael (música) y Stuart Gorrell (letra) o las colosales “Little Wing” y “Voodoo Chile” de Jimmi Hendrix.
CD1
CD2

Muddy Waters - The Essential Collection (2000 US Blues )

2011-02-12T15:26:00.000-08:00

McKinley Morgan Field, apodado Muddy Waters por su extraña afición de pequeño de meterse en los lodazales, fue un músico de blues estadounidense considerado por muchos como el padre del Blues de Chicago.
Procedente de las plantaciones del delta del río Mississippi, el flujo migratorio lo lleva hasta Chicago, Illinois, donde decide cambiar la guitarra acústica por la eléctrica para hacerse oír ante el griterío y jaleo de los clubs en los cuales actuaba.
Con un uso característico del slide, una profunda voz y carisma muy personal, Waters pasa de unas primeras grabaciones de solo guitarra acústica, voz y el acompañamiento de un contrabajo o el repicar de sus zapatos a la guitarra eléctrica, percusión y la armónica para completar su clásica formación de blues.
Por sus formaciones pasaron una series de músicos que posteriormente brillaron con luz propia de los grandes del Blues de Chicago: Little Walter, Big Walter Horton, James Cotton, Junior Wells, Carey Bell en la armónica, Willie Dixon en el bajo, Otis Spann, Pinetop Perkins en el piano, Buddy Guy en la guitarra entre otros.
Muchas de las canciones que tocó se convirtieron en clásicos: "Got My Mojo Working", "Hoochie Coochie Man", "She's Nineteen Years Old" y "Rolling and Tumbling", muy frecuentemente objetos de covers por bandas de diferentes géneros. Otras canciones características de Muddy Waters son "Long Distance Call," "Mannish Boy,", el himno del rock/blues "I've Got My Mojo Working" (Compuesta originalmente por Preston Foster) o "Rollin' Stone" de la cual sus satánicas majestades, The Rolling Stones, toman el nombre, lo que da una dimensión de las influencias de Waters no solo en el rock sino también sobre el mismo Blues, Rythm & Blues, Folk, Jazz y Country.
Muddy Waters fallece en 1983 a la edad de 68 años tras sufrir un ataque al corazón mientras dormía

Atomic Rooster - In Hearing of Atomic Rooster (1971 UK Progressive Rock)

2011-02-06T01:59:00.000-08:00

Atomic Rooster fue una banda inglesa de rock progresivo, formada en 1969, que siempre giro en torno a liderazgo de Vincent Crane (pianista-organista y compositor), ex miembros de Crazy World of Arthur Brown, el cual hizo y deshizo las formaciones entre 1969-1983, periodo de existencia de la formación.
En 1970, Atomic Rooster, editó su álbum debut homónimo en el que Crane se hace acompañar por Nick Graham y por el también ex Crazy World Carl Palmer. Tras este álbum, Graham abandonaría el terceto para unirse a Skin Alley, al igual que Palmer, que formaría con Keith Emerson y Greg Lake el súper grupo EL&P.
Crane reforma la banda con el guitarrista y cantante John Du Cann y el batería Paul Hammond, conociendo la banda en este periodo sus mejores momentos, con un excelente rock progresivo, acentuando su perfil hard e incorporando trazos góticos, grabando "Death Walks Behind You" (1970) y “In Hearing of atomic Rooster” (1971).
“In Hearing of atomic Rooster” (1971) es su tercer LP, donde se incorpora el cantante Peter French, un album precedido por el single “The Devil’s Answer” de gran éxito y que no fue incluido en este trabajo pero si en esta edición remasterizada digital como bonus track.
Vincent Crane, de personalidad inestable y tendencias depresivas, decidió disolver el grupo e intentarlo en 1972 con una nueva formación, apartándose del hard-rock de grabación gótica para abrazar posturas soul y funk. Esta nueva formación incluía al cantante, ex vocalista de Colosseum, Chris Farlowe, al guitarrista Steve Bolton, al bajista Bill Smith y al batería Rick Parnell. Por su parte, Cann y Hammond crearían el grupo Bullett, que con el tiempo se convertiría en Hard Stuff, mientras que cantante Peter French se incorporaría a Cactus.
Tras la publicación de dos excelentes disco, los nuevos sonidos de Atomic Rooster, a pesar de su indudable calidad instrumental, desconcierta a sus antiguos seguidores y al propio Crane, quien abaldonaría al grupo, provocando su ruptura en 1973.
Seis años después, Grane, que había ocupado su tiempo colaborando en producciones teatrales, reuniéndose también con Arthur Brown, volvería a reformar Atomic Rooster al contar con la asociación de John Cann, quienes reclutaron al batería Preston Haymana a su vez reemplazado posteriormente por el retornado Hammond, grabando dos discos que pasaron desapercibidos, disolviéndose definitivamente.
Con posterioridad, Crane pasaría brevemente en 1985 por el grupo Dexy’s Midnight Runnners”, unos años antes de suicidarse a la edad de 45 años en 1989.
Discografia:
Atomic Roooster.1970
Death Walks Behind You.1970
In Hearing of Atomic Rooster.1971
Made in England.1972
Nice 'n' Greasy.1973
Atomic Rooster.1980
Headline News.1983

Electric Riders - Music For A Family Gathering (2007 Spain Hard Rock)

2011-02-01T05:47:00.000-08:00

Electric Riders se forma en Pamplona a finales del verano de 1999 y la integraban Iñaki Anoz al bajo, Angel Aietxu a la batería y el que ha sido la columna vertebral de la formacion durante todo este tiempo: Adolfo Alcocer a la guitarra/voz. Banda que se postula con sonidos psicodélicos, progresivo y el hard rock de los 70.
En junio de 2001 se meten en un estudio de Pamplona y graban, en auto-edición, lo que sería su primer disco “Get Your Experience” a través de un sello creado por ellos mismos y con las lógicas carencias de producción por la escasez de medios pero ganándose poco a poco el respeto en los ambientes underground.
En 2003 Electric Riders edita su segundo disco "Messengers" con nuevos elementos como David “Dowie” Goñi a la voz y la teclista Bea Hurtado, acompañada de una interminable gira y certámenes como el Villa de Bilbao de 2004, donde quedan como finalistas, lo cual les vale para telonear a Arthur Lee en el mítico concierto que ofreció en Bergara el 24 de marzo de ese año.
Tras un cierto tiempo de incertidumbre vuelven a la carretera participando, entre otros eventos, en el primer Festival de Mentes de Acido, celebrado en diciembre de 2005 en Sevilla, junto a otros grupos como Green Manalishi , Zoom, Rip KC y Mater Dronic. En ese festival cosechan un gran éxito y sorprenden por su gran fuerza en el escenario.
Por fin la discográfica alemana Nasoni, referente para los amantes de la psicodelia, se muestra interesada en sacarles su tercer disco en CD y una edición limitada en vinilo para coleccionistas lo que supone dejar la auto-edición, colocándolos en el centro del punto de mira a un nivel internacional .
“Music For A Family Gathering”(2007) ofrece una estupenda combinación de hard rock y rock ácido, con un sonido brillante, con temas bien ejecutados y originales. El resultado es un disco que puede recordar a los Screaming Trees más caleidoscópicos, los sesenteros Spirit o a los míticos Demian, grupo al que rinde varios homenajes en este disco. La discografía se completa con su reciente álbum “The Trial”.

Iron Butterfly - In-A-Gadda-Da-Vida (1968 US Acid Rock)

2011-01-27T01:25:00.000-08:00

Iron Butterfly fue una banda, formada en 1966 en San Diego (California), de Rock ácido e influenciados sonoramente por los postulados progresivos emergentes de la época. Los miembros originales eran Doug Ingle (teclados y voz), Ron Bushy (batería), Jerry Penrod (bajo), Darryl DeLoach (cantante) y Danny Weis (guitarra).
Todos excepto Ingle y Bushy dejaron la banda después del primer álbum “Heavy” (1968) siendo sustituidos por Lee Dorman (bajo) y Erick Brann (guitarra), más tarde, a su vez suplido por Larry “Rhino” Reinhardt. Iron Butterfly fue contratado para tocar en Woodstock, pero sus componentes se pelearon en el aeropuerto.
El grupo tras grabar tres discos más y un directo se separó en 1971. Dorman y “Rhino” Reinhardt posteriormente se unieron al supergrupo Captain Beyond.
La banda reaparece tras cuatro años, en 1975 , con Ron Bushy y Eric Brann, a los que se unieron el bajista Philip Taylor Kramer y Howard Reitzes Kramer a las teclas, grabando dos interesantes álbumes pero que pasaron desapercibidos, disolviéndose definitivamente.
No obstante en 2004, el grupo una vez más volvió a juntarse, y organizó una gira con los miembros originales Ron Bushy y Lee Dorman.
“In-A-Gadda-Da-Vida”(1968) es una creación bajo el liderazgo compositivo de Doug Ingle, siendo el LP más conocido y triunfante de la formación. El álbum contiene el famoso y extenso tema de diecisiete minutos de duración que da nombre al propio álbum y que ocupaba enteramente la segunda cara de éste.
El tema se caracteriza por un envolvente y memorable riff de guitarra y bajo que se sostiene durante toda la duración de esta. El riff es usado como base para los largos solos de órgano y guitarra, que son interrumpidos a la mitad por un largo solo de batería.
Varias son las anécdotas que rodean a este disco, una de ellas es que en principio el tema no iba a llegar mas allá de los cinco minutos pero la tardanza del manager, atrapado en un atasco en Los Ángeles, hizo que el grupo improvisara una jam para hacer tiempo, que los técnicos recogen, y que posteriormente dan por buena.
Discografía:
•Heavy.1968
•In-A-Gadda-Da-Vida.1968
•Ball.1969
•Iron Butterfly Live.1970
•Metamorphosis.1970
•Evolution: The Best of Iron Butterfly.1971
•Scorching Beauty.1975
•Sun And Steel.1976

Captain Beyond - S/T (1972 US Hard Rock)

2011-01-21T16:15:00.000-08:00

Captain Beyond fue una super formación de rock estadounidense que se estableció en Los Ángeles (California), con miembros procedentes de Iron Butterfly (Lee Dorman, bajo y Larry "Rhino" Reinhardt, guitarra), Deep Purple (Rod Evans,voz) y la banda de Johnny Winter (Bobby Caldwell, batería) que salta a la escena a principios de los 70’s.
Su música es una mezcla de la procedencia de donde provenían, así nos encontramos con un sonido, hard y blues de Purple y Winter en envueltos con leves retazos progresivos ácido-psicodélico de los Butterfly .
“Captain Beyond” (1972) es su disco debut que no tuvo repercusión mediática debido a su concepto de álbum al margen de los singles y la nula promoción por parte de la discográfica. Esto hizo que no tuviera excesivas ventas a pesar de su calidad y excelente portada diseñada por Joe Garnett. Todas las canciones fueron compuestas por Rod Evans y Bobby Caldwell. Significar también la dedicación del álbum que le hace la formación a Duane Allman fallecido en ese periodo.
Tras esta grabación la banda se maneja entre idas y venidas de sus integrantes con varios de sus músicos manteniendo proyectos personales e incorporaciones como Reese Wynans a los teclados, Marty Rodríguez a la batería y Guille García a la percusión, llegando a publicar tres álbumes más, disolviéndose en 1977.
Caldwell y Reinhardt se reunieron a finales de los años noventa, logrando el reconocimiento como grupo de culto y el prestigio de la crítica que no habían logrado en los setenta.
Discografía:
•Captain Beyond (1972)
•First (1972)
•Sufficiently Breathless (1973)
•Dawn Explosion (1977)
•Night Train Calling EP (2000)
•Far Beyond a Distant Sun - Live Arlington, Texas (1973) (No fue publicado hasta 2002)

The Rossington Collins Band - This Is The Way (1982 US Southern Rock) vinyl rip.

2011-01-15T11:03:00.000-08:00

La Rossington Collins Band lo forman los guitarristas Gary Rossington (Gibson Firebird) y Allen Collins (Gibson Les Paul), dos de los supervivientes del accidente de aviación que tuvo la legendaria formación de rock sureño Lynyrd Skynyrd.
El 20 de octubre de 1977 el avión que se dirigía a Mississippi se estrelló, acabando con las vidas del cantante Ronnie Van Zant, el guitarrista Steve Gaines, su hermana, la corista Cassie Gaines y el manager de la banda Dean Kilpatrick. Los otros miembros acabaron heridos pero sobrevivieron.
A la nueva banda se les une también parte de sus antiguos compañeros: Leon Wilkenson (bajo) y Billy Powell (teclas) que junto al batería Derk Hess y la cantante Dale Krantz, completan la alineación. El único componente de Lynyrd Skynyrd que no se unió a la Rossington Collins Band fue el batería Artimus Pyle, que formaría su propio grupo, la Artymus Pyle Band.
La Rossington Collins Band publicaron dos discos “Anytime, Anyplace, anywhere” (1980) y “This is the way” (1982). Posteriormente Rossington dejó el proyecto, continuando Collins con la formación, llamada a partir de entonces The Allen Collins Band. Sin embargo, en 1986 Collins sufrió un nuevo accidente, esta vez de coche, en el que falleció su novia y él quedó inválido, con lo que tuvo que retirarse de los escenarios.
Gary Rossington continúo con sus proyectos e incluso ha llegado a reunir en varias ocasiones a Lynyrd Skynyrd. Rossington es un guitarrista que ha dejado muchos pasajes memorables en la historia del rock como "Tuesday's Gone", "Simple Man" o el slide de "Free Bird" (para muchos, uno de los mejores solos de guitarra que se ha interpretado jamás), todos temas del álbum “Pronounced 'leh-'nérd 'skin-'nér” (1973).

ZZ Top - Tejas (1976 US Southern Rock)

2011-01-08T13:59:00.000-08:00

ZZ Top se forma en 1969 en Houston, Texas, conocido por sus secuidores como "The Little Ol' Band from Texas”. Los miembros del grupo son Billy Gibbons (voz y guitarra), Dusty Hill (bajo y voz) y Frank Beard (batería) que después de más de cuatro décadas siguen “on the road” con los mismos miembros originales incluso con el mismo productor Bill Ham.
Una carrera plagada de éxitos aunque la cúspide y los mejores años lo alcanzaron en los 70 y principio de los 80. ZZ Top son identificados por sus demoledores riif, con un sonido boogie-blues tejano y hard rock , según ellos mismos, influenciados por intérpretes del blues de la talla de Muddy Waters o John Lee Hooker. Gibbons y Hill también son famosos por las peculiares guitarras que utilizan, muchas de ellas codiseñadas con el maestro luthier John Bolin.
Los componentes de ZZ Top habían tocado con anterioridad en diferentes bandas tejanas (entre ellas The Moving Sidewalks o The American Blues) antes de unir sus fuerzas a finales de 1969. Identificados por su extravagantes imagen, siempre con gafas de sol (un gesto a su canción de 1979 Cheap Sunglasses), ropa parecida (o en ocasiones idéntica), y sus larguísimas barbas, que como anécdota, rechazaron una elevada cifra de dólares por cortársela, ofrecido por una marca de cuchilla de afeitar.
“Tejas” (1976) es álbum en su máxima expresión de la formación, trabajo que resume por todos sus poros a desierto, con carreteras interminables y polvorientas, salpicados de baretos inhóspitos y que bien retrata en sus películas Robert Rodríguez o el mismísimo Tarantino. “It’s Only Love” “El Diablo” “Avalon Hideaway” y el broche instrumental que cierra el disco “Asleep In The Desert” destacan sobre un disco que ningún tema tiene desperdicio.

Player- S/T (1977 US Pop Rock) vinyl rip

2010-12-30T13:55:00.000-08:00

Player fue una banda de los Ángeles formada en 1976 por Ronn Moss, su sonido se basaba en una mescla entre el rock, pop, soft rock, encajando muy bien con el emergente sonido disco de la época. Moss desde una temprana edad aprende a tocar la batería y más tarde la guitarra y el bajo, liderando formaciones y fogueándose en cientos de clubs y baretos de Los Angeles, incluso antes de cumplir la edad requerida para tocar legalmente.
Ronn Moss (bajo, voz) une su fuerza creativa con otros tres músicos, el ingles originario de Liverpool Peter Beckett (guitars, vocal), JC Crowley (teclas, guitars, vocal) y John Friesen (batería), dando lugar así a los Player.
Su música llamó la atención del promotor Robert Stigwood, quien los contrató para RSO Records, donde produjeron los álbumes “Player” y “Danger Zone” y tras un cambio de discográfica producen el álbum “Room With a View”; discos que pasan desapercibidos en un primer momento pero que posteriormente llegan al gran público ante el éxito a nivel mundial del single “Baby come Back”.
“Player” (1977) es su disco debut que titulan con el mismo nombre de la banda; un álbum muy completo en el cual ningún tema tiene desperdicio pero sobresaliendo entre todas su aclamado hit “Baby Come Back” escrita por Peter Beckett y J.C. Crowley o “This Time I’m In It For Love”.

War - The World Is A Ghetto (1972 US Funk)

2010-12-23T13:34:00.000-08:00

Formada en 1969 en California, War, enarbolaron la bandera del rock negro y chicano de la Costa Oeste, siendo precursora de la fusión de estilos musicales, incorporando el soul, música tropical, jazz, blues, reggae y el rock a un estilo funk callejero propio y natural; siendo unas de las bandas de funk más conocidas de los años 70, y que aun hoy, siguen en activo.
El origen de War se sitúa en una banda llamada “The Creators”. El grupo fue fundado en 1962 por el guitarrista Howard Scott y el baterista Harold Brown. La formación fue evolucionando hasta que en 1965 se habían integrado el tecladista Leroy “Lonnie” Jordan, el bajista Morris “B.B.” Dickerson y el saxofonista Charles Miller. La particularidad de esta agrupación era que todos cantaban.
En 1968 adoptaron el nombre de “Nightshift” e incluyeron a Peter Rosen como bajista a Thomas Sylvester Allen como nuevo percusionista y a dos nuevos intérpretes en la sección de vientos.
En 1969 el grupo fue descubierto por el productor Jerry Goldstein, que a su vez los recomendó a Eric Burdon, antiguo cantante de los Animals, a quien llevo a conocerlos al bareto donde actuaban. “Eric quedó tan impresionado por lo que escuchó que se subió al escenario a improvisar con ellos. El grupo estaba tan metido en su propia onda que no habían escuchado hablar de Eric Burdon o de los Animals. En una semana los tuve en el estudio y el resto es historia.” Comento en su día el propio Jerry Goldstein.
Eric Burdon lo primero que hizo fue ponerles un nombre nuevo: War e incorpora al armonicista y percusionista danés Lee Oskar. En agosto de 1969 War entró al estudio de la mano de Burdon y para 1970 tenían listo su primer disco: “Eric Burdon Declares War”; grabando su segundo disco “The Black Man's Burdon” antes de que terminara ese mismo año. Eric Burdon y War hacen compatibles, al mismo tiempo, sus carrera musicales, de esta manera la formación sin Burdon graban su disco debut homónimo “War” (1971) y “All Day Music” (1971).
En 1971, durante la gira europea, Burdon se desligó del grupo, emprendiendo definitivamente la formación una carrera plagada de éxitos que los lleva hasta nuestros días.
“The World is a Ghetto” (1972) fue su tercer disco y que los catapulta a la fama definitivamente. De este disco se extrajeron dos canciones que luego se convertirían en clásicos “The Cisco Kid” (que les ayudó a ganarse a la comunidad latina) y la balada que le daba nombre al disco.

Jefferson Airplane - The Best of Jefferson Airplane (1967-1974) Acid Rock.

2010-12-18T15:55:00.000-08:00

Jefferson Airplane se formó en San Francisco durante el verano de 1965, surgiendo durante el auge de la música Folk, aunque más tarde, influenciados por Jimi Hendrix y el supergrupo británico Cream, le llevó (como muchos otros grupos) a adoptar un sonido más duro y poner un mayor énfasis en la improvisación.
Banda clave y pionera dentro de la psycodelia y el acid rock desarrollado en la bahía de San Francisco, un sonido basado en la influencia del LSD sobre la composición en la música. A pesar de que la banda fue considerada como un grupo de San Francisco, Paul Kantner era el único nativo de dicha ciudad.
Marty Balin (voz), fundador de la banda, Grace Slick (voz), Paul Kantner (guitarra, voz), Jorma Kaukonen (guitarra), Jack Casady (bajo), Skip Spence (batería) fue la base de la formación; apareciendo también en diferentes etapa, Signe Toly Anderson vocalista en el disco debut “Take Off” (1966), el bajista Bob Harvey, los baterías Jerry Peloquin, Spencer Dryden, Joey Covington, John Barbata y el veterano violinista de jazz-blues Papa John Creach.
“The Best of Jefferson Airplane" (1967) es un recopilatorio que recoge prácticamente todo lo mejor de la existencia de la formación, siendo sintomático y significante, el mismo periodo que muchos creen ver la época dorada del rock. Se incluye el tema “Triad", aparecida en "Crown Of Creation" (1968), una pieza de David Crosby que había sido rechazada por los Byrds, una de las razones por las que Crosby abandonaría a The Byrds sería el rechazo de esa canción.
Los Jefferson Airplane lideraron y fue cabeza visible de la contracultura, sus actuaciones en Monterey Pop Festival, Woodstock y Altamomt culminaron una década revolucionaria a nivel social y cultural donde la formación tomo parte activa. Sus letras criticas y combativas, que según el pensamiento hippy y, con razón, la felicidad se podía alcanzar sin tanto materialismo y consumiendo lo precisó, eso sí, todo regado con mucho amor (....) y por supuesto sin guerras.
Discografia:
1966: Jefferson Airplane Takes Off
1967: Surrealistic Pillow
1967: After Bathing at Baxter's
1968: Crown of Creation
1969: Bless Its Pointed Little Head
1969: Volunteers
1971: Bark
1972: Long John Silver
1974: Early Flight (material inédito)
1989: Jefferson Airplane

Dwight Yoakam - Gone (1995 US Country)

2010-12-11T15:10:00.000-08:00

Dwight David Yoakam, natural de Kentucky, se traslado muy pronto a Columbus, Ohio, donde abandona los estudios para probar fortuna en Nashville.
Yoakam fue uno de los pioneros en la recuperación del country desde una perspectiva rock. Fascinado por el honky tonk, una derivación del country que tuvo que recurrir a la electricidad y al volumen alto para hacerse oír entre el barullo de los bares de carretera, donde abundaba la bebida, el juego y las mujeres.
Influenciado por Buck Owens y Merle Haggard es rechazado en Nashville por no ajustarse a los cánones del «mainstream» de la época. Un revulsivo y un purismo que ponía en evidencia a la meca del country que había dado la espalda a su herencia. Dwight, desencantado, despotrica contra el llamado “countrypolitan”, pop empalagoso de remotas reminiscencias camperas.
Dwight Yoakam se instala en los Ángeles, allí con su banda de acompañamiento los Babylonian Cowboys, no sólo toca en honky tonks o en consagrados country-clubs como The Palomino, sino en los mismos locales donde se movían bandas de rock de ascendencia punk como X o Dead Kennedys, compartiendo también escenario con los Blasters, los Lobos o Butthole Surfers, consiguiendo de esta manera el apoyo de un público de procedencia rockera.
Yoakam consigue así lo que pretendía: recuperar la esencia del country original, reivindicando su condición de compositor con voz propia con la influencia del llamado sonido Bakersfield, verdadera transformación del honky tonk original, no sólo porque da prioridad a los instrumentos eléctricos, sino porque fue el primer estilo del country en sentirse significativamente influido por el rock and roll.
California, y concretamente la localidad de Bakersfield, fue la sede de este estilo innovador y vigoroso que utilizaba guitarras Telecaster y una base rítmica prominente. De ahí que se diga que Yoakam practica «country de la Costa Oeste».
“Gone”(1995) es el octavo álbum en la ya extensa discografía de Dwight Yoakam, en el cual le acompaña el guitarrista y armonicista Pete Anderson (alguien tan inseparable como su sombrero Stetson), responsable directo de ese sonido opulento, ardiente y vertiginoso que rige todas sus grabaciones a medio camino entre el simplismo de Johnny Cash y el nervio rockista de Chris Spedding.

Tony Joe White - ...Continued (1969 US Swamp Rock)

2010-12-05T15:57:00.000-08:00

Tony Joe White natural de Oak Grove, Louisiana, es un cantante-compositor y guitarrista con sangre Cherokee por sus venas y conocido como the Swamp Fox (el Zorro del Pantano). Muchos le llaman el rey de Swamp Rock (Pantano Rock), género musical basado principalmente en Zydeco, Cajun y Swamp Pop.
Influenciados por los músicos locales de blues y cantantes de country, pero también de la música cajun, distintivo de Louisiana, un híbrido de estilos musicales tradicionales introducido por los colonos franceses de Canadá a finales del siglo XIX.
White comenzó a tocar en los bailes de la escuela y después de graduarse, a mediados de los 60’s, formo su primer grupo, Tony White & His Combo y más tarde Tony Joe and the Mojos y Tony's Twilights, tocando y fogueándose en clubes nocturnos de Louisiana y Texas.
En 1968 marchar a Nashville para emprender una carrera como solista cantando sus propias composiciones. Sus ritmos guitarreros con mucho wah wah, son típicos de este gran músico, que muchos quieren ver en su figura, muchas semblanzas a Elvis Presley o a mismísimo Jim Morrison.
“...Continued” es su segundo álbum lanzado en 1969, producido por el aclamado Billy Swan y que Incluye la versión original de “Rainy Night in Georgia ", que él escribió, pero que hizo popular con gran éxito Brook Benton y versionadas por muchos como Hank Williams Jr., Shelby Lynne y Randy Crawford. Además incluye dos bonus tracks nunca antes publicados en un álbum, “Watching The Trains Go By” y la única versión de ”Old Man Willis”.

The West Coast Pop Art Experimental Band - Vol.2 "Breaking Through" (1967 US Psyco) vinyl rip.

2010-11-28T03:55:00.000-08:00

The West Coast Pop Art Experimental Band fue una banda psicodélica underground de Los Angeles de mediados y últimos de los 60`s. El germen de la banda son los hermanos Shaun (bajo voz) y Danny Harris (guitarra), ambos tocaban en Snowmen, y Michael Lloyd (guitarrista y vocalista) que venía de tocar con diversos grupos como The Rogues, los cuales deciden formar un nuevo proyecto, inicialmente llamada The Laughing Wind.
Graban algunos demos con el productor musical Kim Fowley el cual les presenta a Bob Markley, sugiriéndole a la banda que toque alguna de sus letras, más tarde se les une el batería John Ware formando así: The West Coast Pop Art Experimental Band.
La banda graba su debut en 1966, "Volume 1", la mayoría del material data de antes de la incorporación de Markley. El álbum incluye algunos hits del momento y composiciones originales. Un disco anecdótico pues fue grabado en un estudio casero en San Vicente y con un tiraje de unos cien ejemplares aproximadamente, siendo relanzado de nuevo en vinilo el año 1994.
Con un impresionante show de luces, la banda se vuelve popular en Los Ángeles, firmando por el sello Reprise Records que le pública, en realidad, su primer álbum profesional, titulado "Part One" (1967), trabajo que oscila entre canciones pop y baladas acústicas con toques lisérgicos.
“Vol.2 (Breaking Through)” (1967), fue el álbum más ambicioso y coherente, compuesto en su totalidad por miembros de la banda. Michael Lloyd abandona la formación, destacando las canciones compuestas por Markley; "Suppose They Give A War And No One Comes?" (en parte basado en un discurso de Franklin D. Roosevelt) y la canción "Smell of Incense".
“Volume III: A Child's Guide To Good And Evil” (1968) y "Where's My Daddy?" (1969), completan la discografía de la formación. En 1970 sale el disco "Markley, A Group", promocionado como un disco en solitario de Markley pero en que contribuyen la mayoría de los integrantes de la banda.
Luego de un tiempo la banda se diluye tomando sus componentes diferentes camino, unos como productores, el caso de Michael Lloyd y Bob Markley o los hermanos Harris formando The California Spectrum y posteriormente con grabaciones propias

Pink Floyd - Relics (1971 UK Psychedelic Rock ) Vinyl rip

2010-11-23T16:21:00.000-08:00

Tras el éxito alcanzado por “Atom Hear Mother”, Pink Floyd decide publicar “Relics” su primer recopilatorio y sexto disco en la discografía de la formación.
“Relics” salió al mercado en mayo de 1971 conteniendo un total de once temas de sus tres primeros álbumes : “The Piper at the Gates of Dawn”, “A Saucerful of Secrets”, y Music from the Film More ; además de material solo publicado en sencillos como "Arnold Layne" (Barrett) y “See Emily Play" (Barrett) en marzo y junio de 1967 respectivamente y caras B como "Careful With that Axe, Eugene" (Waters, Wright, Mason, Gilmour), "Paint Box" (Wright) y "Julia Dream" (Waters).
Además se incluye una canción original de Waters llamada “Biding My Time”, una rareza que solamente fue tocada durante los espectáculos en directo de "The Man/The Journey" en 1969 y grabada durante las sesiones de “Ummagumma” de ese mismo año en los Estudios Abbey Road.
A Sid Barret le podemos escuchar su voz en los siguientes temas: "Arnold Layne", "See Emily Play", "Interstellar Overdrive" y "Bike", corriendo a cargo la voz de David Gilmour y Roger Walter en los restantes temas.
El disco se ha editado con diferentes portadas; la tapa original, es un dibujo realizado por Nick Mason de lo que podría ser un barco compuesto por instrumentos musicales y otros objetos. En la edición remasterizada de 1996, se reelaboró la idea de este dibujo trasladándolo a las tres dimensiones.

Joe Cocker - Mad Dogs & Englishmen (1970 UK Rock)

2010-11-16T10:43:00.000-08:00

Joe Cocker, junto con Leon Russell, organizó y lideró la banda para la gira “Mad Dogs & Englishmen”, que surcó a los Estados Unidos entre marzo y mayo de 1970. Una gran banda compuesta por once miembros (incluidos tres baterías) y diez coristas, actuando en 48 ciudades, dando 65 conciertos. De esta gira salió un álbum doble y una filmación: “Mad Dogs & Englishmen”.
En un recinto tan paradigmático como el Filmore East de Nueva York, lugar de presentaciones históricas de Frank Zappa, Jimi Hendrix y prácticamente todo lo mejor del rock en esos días; Cocker realizó dos shows, grabado durante dos noches en marzo de 1970 con todas las entradas agotadas.
En estas actuaciones, Coker, incluye lo mejor de su repertorio hasta ese momento, con la inclusión por primera vez de lo que sería unos de sus grandes hit: “ The Letter “ de The Box Tops.
Joe Cocker se rodea de una gran banda, formada por: Leon Russel (guitarra y piano), Chris Stanton (piano y órgano), Don Preston (guitarra ritmica), Carl Radle (bajo), Jim Gordon (batería), Jim Keltner (batería), Chuck Blackwell (percusión y batería), Sandy Konikoff (percusión), Bobby Torres (congas), Jim Price (trompeta) y Bobby Keys (saxo tenor), además de las coristas Daniel Moore, Donna Weiss, Matthew Moore, Pamela Polland, Rita Coolidge, Claudia Lennear, Bobby Jones, Donna Washburn, Nicole Barclay.
Musicos muy conocidos procedentes de otras formaciones, aparte del mencionado León Rusell, como Carl Radle y Jim Gordon (exTraffic), procedentes de Delaney y Bonnie y posteriormente con Derek and The Dominos, los cuales son reclutados por Coker para la gira. También destacar la pareja Jim Price y Bobby Keys (acompañamiento de vientos de los Rolling Stones) y los primeros pasos de la gran Rita Coolidge, con ascendencia aborigen (Cherokee). Precisamente “Delta Lady” es una composición de Russell dedicada a la Coolidge.
CD1
CD2

Bachman-Turner Overdrive - Four Wheel Drive (1975 Can Hard Rock)

2010-11-10T04:26:00.000-08:00

Bachman-Turner Overdrive es una banda de hard rock canadiense fundada por Randy Bachman, procedente de los Guess Who y que tras grabar en solitario el LP “Axe” (1970) ve frustrada una formación con el líder de The Nice, el teclista Keith Emerson .
Así pues, en 1971 decidió unir fuerzas con su hermano, el batería Robbie, el cantante, teclista y guitarra Chad Allan y el bajista y vocalista C.F. “Fred” Turner bajo el nombre Brave Belt , grabando dos discos entre 1971 y 1972, bastante estimables por su atractiva mezcla entre pop, rock, country.
Chad Allan abandona la formación siendo sustituido por el guitarrista Tim Bachman, hermano también de Randy y Robbie y es cuando deciden llamarse Bachman-Turner Overdrive, apelativo derivado de la unión de sus apellidos con su pasión con los camiones.
En 1973 publican su disco debut “Bachman-Turner Overdrive” que a pesar de la calidad de sus singles “Gimme Your Money Plesse” y “Blue Collar” pasa inadvertido. Sin embargo, su segundo disco, "Bachman Turner Overdrive II" (1973) fue un exitazo descomunal, apoyado principalmente por el hit "Takin care of business" y otras magníficas canciones como "Let it ride.
El guitarra Tim Bachman abandonó la banda para dedicarse a la producción, siendo sustituido por Blair Thornton, quien debutaría en el LP de 1974 “Not Fragile”. Con este disco y su hit “You ain't seen nothin' yet” alcanza la cúspide, prácticamente, a nivel mundial. Ante el éxito de esta grabación, su compañía reeditaría su segundo disco como "Brave Belt" (1975).
“Four Wheel Drive” (1975) es el cuarto disco de Bachman-Turner Overdrive, un trabajo marcado y un poco a la sombra por su exitoso álbum anterior. “Four Wheel Drive” contiene grandes canciones como “Hey You”, "Quock Change Artist” o “Four Wheel Drive” que a pesar de estar considerado por muchos como comercial es un álbum realmente potente y rockero.
Posteriormente grabarían "Head On" (1975) y "Freeways" (1977), tras lo que Randy abandonó el grupo para formar Ironhorse con Tom Sparks y Cris Leighton.
A pesar del abandono de uno de sus fundadores, la banda continuó, adoptando el nombre abreviado de B.T.O., incorporando a Jim Clench en sustitución de Randy. Con él graban los discos "Street Action"(1978) y "Rock'n'roll nights" (1979). En 1980 la banda se disolvió, aunque se volvieron a reunir para grabar el LP de 1984 "Bachman-Turner Overdrive".

Little Feat - Dixie Chicken (1973 US Rock)

2010-11-04T03:52:00.000-07:00

Little Feat (un juego de palabras que intenta decir “piecitos” pero que, literalmente, significa “pequeñas hazañas”) es una banda norteamericana formada en 1969 en Los Ángeles por el cantante, compositor y virtuoso de la guitarra slide Lowell George, procedente de los Mothers of Invention de Frank Zappa.
Lowell George conoce al teclista Bill Payne, los cuales reclutan a Roy Estrada, que era el bajista de los mismos Mothers of Invention, y al batería Richie Hayward, quien perteneció a la anterior banda de Lowell George: The Factory.
El sonido de Little Feat es una almágana de influencias, desde canciones folk acústicas, hasta el rock-blues más ancestral pasando por el country o el R&B con magistrales toques jazzísticos.
"Dixie Chicken" (1973), es el tercer álbum de la formación que prácticamente cierra una trilogía, a cual mejor, con el disco debut homónimo “Little Feat” (1971) y “Sailing Shoes” (1972); la carátula de este álbum fue diseñada por Neon Park que a partir de entonces se ocuparía del diseño de los discos de Little Feat, otra seña de identidad del grupo.
En "Dixie Chicken", posiblemente el más popular de los discos de la banda, abandona el grupo el bajista Roy Estrada para unirse al grupo Captain Beefheart, entrando en su lugar Kenny Gradney, además del percusionista Sam Clayton y el guitarrista Paul Barrere que proporcionó una nueva visión musical y compositiva a la banda de gran importancia en el futuro, pasando de esta manera la formación de un cuarteto a ser un sexteto.
“Feat Don’t Fail Me Now” (1974), “The last Record Album” (1975), “Time Loves A Hero” (1977), el directo doble “Waiting for Columbus” (1978) y en 1979 “Down on the Farm” (terminado después de la muerte de Lowell George) completa la discografía de los Little Feat clásicos.
Con la muerte en 1979 del que había sido fundador principal, compositor y emblema del grupo, el resto de sus miembros deciden disolver la banda y tomarse un tiempo. Así que, después de trabajar en diversos proyectos individuales, los Little Feat se vuelven a reunir en 1987 (....) pero eso ya es otra historia.

Mick Jagger - Wandering Spirit (1993 UK Rock)

2010-10-28T03:32:00.000-07:00

“Wandering Spirit” es el tercer álbum de Mick Jagger como solista lanzado en 1993. Anteriormente había publicado “She's the boss “(1985) y ” Primitive cool” (1987); la discografía en solitario de Jagger se completa con “Goddess in the doorway” (2001) y The very best of Mick Jagger (2007).
Luego del exitoso regreso de los Rolling Stones con “Steel Wheels” en 1989, Jagger comenzó a reunir material para lo que sería “Wandering Spirit”.
Jagger graba el álbum en Los Angeles con la producción de Rick Rubin en enero de 1992, terminándolo siete meses después, en septiembre de ese mismo año, y publicandolo en febrero de 1993.
Jagger se hace acompañar por una larga lista de músicos, entre los que figuran Billy Preston (teclas), JayDee Mannes (Pedal Steel Guitar), Brendan O'Brien, Jimmy Rip, Frank Simes (guitarras), John Pierce y Doug Wimbish (bajo), Curt Bisquera, y Jim Keltner (batería), Lenny Castro (Percusión), Courtney Pine (Saxofón), Robin McKidd (violin) y la aparición estelar de Lenny Kravitz con un dueto con Mick en tema “Use Me“.
Un Jagger que además de cantar, toca la guitarra, armónica, percusión y el Clavinete, este ultimo instrumento en el tema “Angel in my heart” que con los arreglos orquestales muchos quieren ver una dedicatoria a Brian Jones.
Evidentemente unos músicos muy reputados y profesionales pero adoleciendo de la frescura y el empaque de una clásica banda de Rock’n’Roll a lo que Mick nos tiene acostumbrado.
De todas maneras, para muchos, el mejor y más stoniano disco en solitario de Jagger, donde no faltan ritmos soul, country y por supuesto mucho y solo (...) Rock’n’Roll.

Peter Gabriel (1977 UK Rock)

2010-10-19T15:06:00.000-07:00

Peter Gabriel fundó Genesis en 1967 cuando era estudiante de la escuela secundaria Charterhouse, con sus compañeros Tony Banks, Anthony Phillips, Mike Rutherford y Chris Stewart, Con ellos lanzó una serie de discos, logrando convertir a la banda en un grupo de culto.
Peter Gabriel abandona la agrupación en 1975 por motivos personales y dos años más tarde lanza su primer álbum: “Peter Gabriel” (1977).
En los inicios de su carrera solista, Gabriel se negó a ponerle títulos a sus discos ya que Peter rehusaba a etiquetarlos con un nombre específico. Sin embargo las carátulas de los álbumes varían.
Sólo la presión del sello distribuidor en Estados Unidos puso un título en el cuarto disco "Security" (1982) y lo obligó a ponerle títulos a sus discos desde el quinto “So” (1986). Estos primeros discos para identificarlos se suele recurrir al número de orden o a detalles de la portada: al primero de 1977 (coche mojado por la lluvia), al segundo de 1978 (rasguño) y al tercero de 1980 (cara derretida) respectivamente.
Este primer disco fue producido por Bob Ezrin, y el primer single que se extrajo de este material fue "Solsbury Hill", una pieza autobiográfica, que expresa sus sentimientos al dejar Genesis.
Peter Gabriel hizo una serie de giras promocionando cada uno de los LPs, construyendo en cada show un tratamiento dramático y teatral (los cuales ya se habían iniciado en la época de Genesis). Es así como en 1983, aparece en el mercado una recopilación de todas aquellas presentaciones que había llevado a cabo Gabriel. Este disco se tituló “Plays Live”.
Gabriel a partir de mediados de los 80 fue pionero en la fusión con todo tipo de músicas étnicas y no es extraño encontrar en sus temas percusiones de absoluta inspiración africana y guiños a otras culturas. De hecho la figura de Peter Gabriel se encuentra estrechamente ligada a los festivales WOMAD.Su éxito con el álbum “So” (1986) le permitió fundar la discográfica Real World que ha permitido grabar discos y difundir su música a autores de todos los lugares de la tierra.
Peter Gabriel ha estado comprometido a lo largo de casi toda su carrera contra las injusticias y los problemas sociales más variados, tales como la pobreza y la discriminación en Sudáfrica y su gran postura defensora de los Derechos Humanos, haciendo oír su voz a menudo en los foros internacionales.

Fourplay - Fourplay (1991 US Smooth Jazz)

2010-10-16T11:28:00.002-07:00

Fourplay es un grupo de Jazz Moderno o Smoothjazz, fundado en 1991 por Lee Ritenour (guitarras), Nathan East (bajo), Harvey Mason (bateria) y Bob James (teclados); los cuales deciden sumar esfuerzos tras coincidir en la grabación de “Gran Canyon” (1990), álbum del pianista Bob James.
Ese mismo año publican su primer trabajo ya como Fourplay, llamado simplemente “Fourplay” (1991).
En 1998 tras la publicación del recopilatorio “Best of Fourplay”, Lee Ritenour abandona el grupo, incorporándose Larry Carlton que, sin bajar la calidad, le da un giro al estilo de la formación.
Smooth Jazz, según Wikipedia es: ”El jazz moderno de la mezcla de jazz, R&B y POP, originado en los 70´s".
Una música que nos ofrecen estos cuatros virtuosos instrumentistas, sin mas pretensión que la audición en un rato agradable y de diversión.
“Elixir” (1994) cuenta con la colaboración de Phill Collins en el tema “Why Can't It Wait Till Morning” y de Patty Austin y Peabo Bryson en “The Closer I Get to You”.

Mark Ledford - Miles 2 Go (1998 US Jazz)

2010-10-11T03:15:00.000-07:00

Mark Ledford (1960 -2004) fue un cantante y músico multi-instrumental: trompetista, percusionista, teclista y guitarrista; haciendo sus estudios musicales en el Berklee College of Music entre 1978 y 1982.
Ledford simultaneaba su trabajo de publicista con sesiones con otros músicos como Stephanie Mills, Jon Hendricks, Special EFX, Kevin Eubanks, Bill Evans, Don Byron, entre otros.
Ledford más tarde contribuiría a las bandas sonoras de alguna película de Spike Lee (“Nola Darling” en 1986); colaborando con Bobby McFerrin y Pat Pat Metheny en grabaciones como “Still Life” (Talking) (1987) y Secret Story (1992).
El directo de Mark Ledford era singular y todo un espectáculo muy personal, que si acaso, se hacía acompañar por un percusionista,tocaba todos los instrumentos como la trompeta, la guitarra, la percusión y los teclados; cantando fraseando de muchas maneras distintas, haciéndose sus propios coros y todo lo hacía sin ningún tipo de artificio, demostrando una musicalidad natural que muy pocos pueden igualar.
Como consumado maestro, Ledford, impartió clases de trompeta en el Centro Banff, en Alberta (Canadá).
En 1998 publico su álbum, "Miles 2 Go", que no dejaba de ser un tributo a Miles Davis. Mark Ledford falleció de un ataque al corazón en el 2004.

Joshua Redman - Captured Live! (1994 US Jazz)

2010-10-07T09:37:00.000-07:00

Joshua Redman, nacido en Berkeley (USA), 1969, hijo del saxofonista tenor Dewey Redman, el cual le dio una educación musical muy completa. Joshua, elige el saxofón como instrumento, graduándose con nota muy alta en la Universidad de Harvard.
Con tan solo veinte años, Redman, se foguea con diferentes grupos, ganando varios concursos entre el que se encuentra el prestigioso "Thelonious Monk Compettition", lo que le da la oportunidad de fichar por la Warner Bross con quien debuta al año siguiente con el disco homónimo "Joshua Redman" (1993).
Joshua Redman, desde sus primeros momentos, llega a tocar con grandes del jazz como Pat Metheny, Charlie Haden, Billy Higgins, Elvin Jones, Paul Motian, Joe Lovano y Chick Corea.
Líder indiscutible de una nueva generación de prometedores jazzistas, Joshua Redman, se consolidad entre los grandes, dentro del eclecticismo de la escena jazzística de los años noventa del siglo XX y principios del XXI. Una musica libre y moderna con una marcada tendencia hacia el bop que en absoluto está reñida con la más pura tradición jazzística de sus antecesores en el saxo tenor.
“Captured Live!“ (1994) es un bootleg de Joshua Redman con la misma formación que grabara el álbum de estudio “Moodswing” ese mismo año.
Joshua Redman – Saxo Tenor
Brad Mehldau – Piano
Christian McBride - Bajo
Brian Blade - Bateria

Incognito - Beneath The Surface (1996 UK Acid Jazz)

2010-10-04T02:49:00.000-07:00

Incognito es una banda británica que fusiona jazz, funk, soul, disco, bossa/samba, house y ritmos dance, estando liderado por el británico Jean-Paul Maunick, conocido también como Bluey.
Bluey, fundador y guitarrista y autor de la mayoría de las composiciones de la banda, formó Incognito en 1980, junto con el bajista Paul Williams, además del saxofonista George Lee, el batería Jeff Dunn, el teclista Peter Hinds y el percusionista Gee Bello.
Incognito es uno de los grupo referente, representativos e ineludibles del acid jazz británico, junto a Jamiroquai, The Brand New Heavies, Corduroy y The James Taylor Quarter. Aunque las bases de algunos temas utilizan bases electrónicas de house, es la suya una propuesta Influenciadas por artistas como Stevie Wonder, Marvin Gaye, Eart Wind & Fire o Kool & The Gang , reminiscencias de los 70 pero con la modernidad de la música de baile de principios de los 90.
Incognito debutan con un disco íntegramente instrumental, titulado "Jazz Funk' (1981). A partir de aquí cada uno de los integrantes originales del proyecto tomó su propio camino y Bluey continuó componiendo y produciendo para otros artistas.
A finales de los 80's Bluey conoció a Gilles Peterson, el fundador del sello "Acid Jazz", quien produjo el segundo álbum de la banda, "Inside Life" en 1991, lanzado diez años más tarde que el disco de debut. El disco contaba con la poderosa voz del soul Jocelyn Brown.
Desde entonces hasta el momento Bluey ha publicado un total de doce álbumes de estudio, contando siempre con la colaboración de los mejores músicos de estudio londinenses y la cantante norteamericana Maysa Leak, único elemento estable de las diversas formaciones de la banda en las sucesivas grabaciones y tours del grupo.
“Beneath The Surface” (1996) es quizás el menos novedoso de sus discos pero, de todas maneras, es un trabajo insustituible en su discografía.

Chick Corea - Akoustic Band (1989 US Jazz)

2010-09-27T03:38:00.000-07:00

Chick Corea, es un pianista, teclista y compositor estadounidense - Chelsea, Massachusetts - de jazz. Sus primeras influencias en el jazz fueron Horace Silver y Bud Powell.
Corea se foguea y adquiere experiencia tocando en las bandas de Mongo Santamaria y Willie Bobo (1962-1963), Blue Mitchell (1964-1966), Herbie Mann y Stan Getz (1966-1968), integrándose a finales de los 60's en la banda de Miles Davis (1968-1970), produciendo significantes álbumes como “Filles de Kilimanjaro”, “In a Silent Way”, “Bitches Brew” y “Miles Davis at the Fillmore”; dando paso a una corriente denominada Jazz fusion y que Corea prolongo con el super grupo Return to Forever prácticamente toda la década de los 70's.
A lo largo de los años 80's prosiguió con sus colaboraciones con otros músicos y formaciones lideradas por el propio Corea como The Electric band; integrada por el bajista John Patitucci, el guitarrista Scott Henderson (en el primer disco de la banda, luego reemplazado definitivamente por Frank Gambale), el saxofonista Eric Marienthal y el baterísta Dave Weckl.
Después de este periodo eléctrico, Corea intenta un equilibrio con una formación acústica de trio (Corea al piano, Patitucci al contrabajo y Weckl a la batería), grabando un único disco: “Akoustic Band” (1989); interpretando algunos standarts de Coltrane, Ellington, Cole Porter siendo el resto de temas compuesto por Chick Corea.
Piano - Chick Corea
Bajo - John Patitucci
Bateria - Dave Weckl

Corinne Bailey Rae - (2006 UK Pop Soul R&B)

2010-09-24T03:28:00.000-07:00

En los tiempos que corren, en los que tenemos que mirar la vista atrás para rescatar buena música, Corinne Bailey Rae es un soplo de aire fresco en los maltratados generos musicales como son el pop, soul o r&b.
La británica Corinne Bailey Rae, nacida en Leed en 1979, es una cantante y compositora que publicó su álbum debut homónimo “Corinne Bailey Rae” en febrero de 2006.
Su perfil musical se encuentra dentro de los géneros Pop, soul y R&B, muchos la comparan con artistas como Billie Holiday, Lauryn Hill, Norah Jones, Sade, Macy Gray o Carole King.
Con un pasado musical ecléctico que incluye participaciones en las misas dominicales de su iglesia y en una banda indie en la adolescencia; Corinne, tras su frustacion de grabar un disco con su banda llamada Helen, marcha a la Universidad de Leeds a estudiar literatura inglesa, mientras por las tardes, trabajaba como chica del guardarropa en un club local de jazz.
De vez en cuando le dejaban cantar con la banda, y a raíz de aquellas sesiones le empezaron a surgir nuevas ideas.
Corinne empezó a componer canciones para interpretarlas en solitario y alejarse del indie y adentrarse en un territorio más soul, más próximo del sonido de Erykah Badu, Björk y Massive Attack.
Se encerró en el estudio y salió con su álbum de debut bajo el brazo. Un disco de pop (...) pero del bueno: sensual y dulce con influencias del soul, jazz y el r&b, con canciones llenas de pequeños e inesperados detalles, ritmos picantes, descaro en las letras y sentimiento genuino en el que destaca, por encima de todo, su voz.
Según describe la propia Corinne Bailey Rae: "Es un poco de todo: chill out, acústico, estrambótico, atmosférico y soul"

Billy Cobham - Powerplay (1986 US Jazz Fusion)

2010-09-15T03:27:00.000-07:00

Billy Cobham, batería y compositor estadounidense de origen panameño, se mueve entre los estilo de Jazz, Jazz Rock, Jazz Fusión y Funk Jazz que le avala una trayectoria muy prolífica que abarca casi mas de 40 discos en su dilatada carrera profesional.
Cobham comenzó a una temprana edad, a principio de los 60, graduándose con solo 18 años en la "High School of Music and Arts” y desde entonces tuvo la oportunidad de codearse con las primeras figuras mundiales del jazz y también de otros tipos de música.
Trabaja al lado de músicos consagrados como: Horace Silver, Júnior Mance, George Benson, Kenny Burble, Stanley Turrentine, Randy Brecker, Michael Brecker, John Abercrombie, Freddie Hubbard, Don Grolnick, Esther Phillips entre otros.
Miles Davis, siempre inquieto y buscador de jóvenes talentos, lo incorpora a su nuevo proyecto “Bitches Brew” (1969); un disco que fue el germen y que puso las bases que el propio Cobham mas tarde retomaría, terminándolo de pulir: El Jazz Rock.
A partir de los años 70, Cobham empieza a liderar sus propios proyectos, uno de ellos es la "Mahavishnu Orchestra" junto a John McLaughlin, al cual conoce mientras grababan para Miles Davis el mencionado “Bitches Brew”. El grupo es considerado pionero y referentes ineludibles del movimiento jazz fusión o Jazz Rock; grabando dos excelentes álbumes “The Inner Mouting Flame” (1971) y “Birds of Fire” (1973).
Cobham edita en 1973 “Spectrum”, su primer álbum como solista en el cual hace una fusión de los mejores discos de la historia, en el que aparecen entre otros Jan Hammer (teclista de la Mahavishnu Orchestra) y el guitarrista Tommy Bolin.
"Powerplay" (1986) es un disco típicamente ochentero y continuista de discos como “Warning” (1985), “Consortium” (1985) y mas tarde “Picture This” (1987) o “Incoming” (1989). Cobham se rodea de músicos como Dean Brown (guitarra), Baron Browne (bajo), Sa Davis (percusión), Gerry Etkins y Onage Allan Gumbs (teclas).

Cassandra Wilson - Point of View (1986 US Jazz)

2010-09-08T03:18:00.000-07:00

Nacida en la cuna del blues en 1955 (Jackson (Mississippi), Cassandra Wilson, hija de músicos, padre contrabajista y madre cantante de góspel, comenzó desde muy joven a tocar guitarra y piano. A mediados de los 70 marcha a Nueva Orleans donde se da a conocer y se foguea en los clubs como cantante y guitarrista con un repertorio de clásicos de country, folk y Rhythm and Blues llegando a tocar con Ellis Marsalis.
A principio de los 80 marcha a New York, comenzando a grabar sus propias composiciones y a colaborar con Dave Holland y Abbey Lincoln; llegando a ser la primera voz con diversas bandas de la nueva vanguardia de jazz y funk: M-Base Collective de Steve Coleman, Steve Coleman & The Five Elements, New Air, Graham Moncur III, Jean Paul Bourelly, Henry Threadgill….
En 1986 publica su primer disco, “Point Of View”, en el sello alemán JMT, que se convierte en refugio de parte de los miembros del M-Base de Brooklyn, al que acudirán para publicar la mayoría de sus debuts discográficos.
En “Point Of View”, le acompañan algunos de los puntales de dicho colectivo, Steve Coleman (Saxo alto/percusión), Lonnie Plaxico (bajo acústico y eléctrico), que será uno de sus colaboradores habituales, Mark Johnson a la batería, Grachan Moncur III al trombón, recuperado después de años casi ausente de la escena musical y Jean-Paul Bourelly, otro músico cercano a ese colectivo, a la guitarra.
El repertorio de “Point Of View” se compone de temas propios, casi todos compuestos a medias con Bourelly o Coleman, y una primera versión del "Blue In Green" de Miles Davis, estupendo homenaje al músico de San Luis.

Lee Ritenour - Color Rit (1989 US Fusion)

2010-08-30T03:17:00.000-07:00

El californiano Lee Ritenour, apodado Captain Fingers, es un guitarrista de jazz y Jazz Fusión, influenciado en sus primeros años por los estilos relajantes de Wes Montgomery, Joe Pass y Barney Kessel, llegando a crear su estilo propio.
Desde muy joven trabajaba como músico profesional en grupos como los Esquires, el Afro Blue Quintet, Fingers, el trío de Craig Hundley y en el famoso grupo de Sérgio Mendes Brasil 77, el cual sería una influencia determinante posteriormente en su carrera musical.
En 1973 formó un grupo con John Pisano, antiguo guitarrista de Herb Alpert, y al año siguiente con Dave Grusin, antiguo pianista del ya citado grupo Brasil 77.
Ritenour comienza su carrera en solitario al mismo tiempo que era un reputado y solicitado músico de sesión, alternando para hacer giras ocasionales con sus grupos y a mediados de los años 90 con Bob James en Fourplay o con Larry Carlton “Larry & Lee” (1994).
Su debut discográfico como líder fue en 1976 con el álbum “First Coursepor”. En 1979 graba el álbum “Río”, donde el jazz y el bossa se daban la mano y donde definitivamente Lee fusiona el jazz con otros ritmos, fundamentalmente brasileños, de hecho, muchos de los músicos que comparten discografía con él son originarios de Brasil.
“Color Rit“ (1989) comienza justo donde su anterior disco termina, “Festival” (1988), con un jazz brasileño, en el cual Lee maneja la guitarra eléctrica en varios cortes aunque es la acústica la que predomina en el álbum.
Ritenour se hace acompaña de Ernie Watts (sax alto y tenor) en un par de cortes, pero la mayor parte del acompañamiento la proporcionan los teclistas Dave Witham, Larry Williams y Russ Ferrante, el bajista Jimmy Johnson, el percusionista Paulinho Da Costa y el baterista Carlos Vega, poniendo la voz Phil Perry en los temas "All the Same Tonight", "Malibu" y "I Can't Let Go".

Pat Metheny Group - American Garage (1979 US Jazz Fusion)

2010-08-25T03:18:00.000-07:00

Patrick Bruce Metheny, Missouri (Estados Unidos), empezó a tocar la guitarra desde muy niño, fue todo un prodigio, tanto es así, que a los quince años estaba trabajando con los mejores músicos de jazz en Kansas City.
Pat Metheny llegó a ser profesor de la Berklee College of Music (una de las escuelas de música con más prestigio de todo el mundo), dando clases a alumnos como Mike Stern o Al DiMeola.
Allí conoce a Gary Burton que lo incorporó a su banda durante 3 años, mostrando ya su forma de tocar moderna, pero conectando con el jazz más tradicional, swing, y blues.
En 1975, sacó su primer álbum instrumental, “Bright Size Life”, con el genial Jaco Pastorius al freetless bass fender (bajo sin trastes), reinventando el tradicional sonido de guitarra de jazz.
Un año más tarde conoce a Lyle Mays con el que tras grabar un disco, "Watercolors" (1977), fundaría el Pat Metheny Group, uniéndosele el bajista Steve Robdy; siendo este trió la base de las distintas formaciones del grupo a lo largo de su extensa carrera.
"American Garage" (1979) es el segundo disco de la PMG, que supuso una revolución para la época, con ese sonido particular de la guitarra de Metheny, complejo y atrapante a la vez, con el contraste del bajo fretless, a los que se les une un aporte sin ser predominante de la percusión y el teclado: Había nacido el sonido del Pat Metheny Group.
Una fusión distinta a todas de las del momento, en las que las armonías e improvisaciones fluyen con naturalidad, absorbiendo elementos de todas las épocas anteriores de la música moderna.
A Pat Metheny (Guitar, 12 String Guitar, Bass Guitar) y Lyle Mays (Piano, keyboards, Organ, Oberheim, Autoharp) le acompañan Mark Egan al bajo y Dan Gottlieb a la batería.

Bill Evans - Big Fun (2002 US Jazz Fusion)

2010-08-17T03:03:00.000-07:00

El saxofonista neoyorkino Bill Evans estudios piano antes de estudiar el clarinete y saxofón, a los 16 años ya daba conciertos de piano clásico. Después de pasar por varias universidades termina sus estudios con el gran saxofonista Dave Liebman, quien lo recomendó a Miles Davis.
Después de su graduación, Evans se unió a la banda de Miles con quien estuvo los cinco siguientes años, de 1980 a 1984, siendo este encuentro clave para la vuelta de Miles en el circuito de Festivales de Jazz de todo el mundo después de varios años de inactividad.
Después de grabar varios discos con Miles Davis, participó en otros grandes proyectos musicales como miembro de la reformada banda Mahavishnu Orchestra liderada por el guitarrista John McLaughlin con quien estuvo tres años, grabando 2 álbumes con ellos.
Su siguiente etapa fue como miembro de la banda Elements con Mark Egan y Danny Gottlieb con los que grabó 3 álbumes más; En 1987 participó en la grabación del segundo disco en solitario de Mick Jagger "Primitive Cool".
Más tarde fundó y lideró una gran banda llamada Petite Blonde con Dennis Chambers a la bateria, Víctor Bailey al bajo, Mitch Forman a los teclados y Chuck Loeb a la guitarra, grabando un gran álbum en directo “Petite Blonde “ (1992).
Otros grandes créditos y logros de Bill Evans son sus giras y grabaciones con Herbie Hancock, Lee Ritenour y Andy Summers (Ex-guitarrista del grupo Police) y también ha colaborado en grabaciones para Michael Franks, David Sanborn, Ron Carter y Mark Egan.
"Big Fun" (2003) es una mezcla del jazz, con un poquito de pop-rock y funk.
Evans se rodea de un elenco de colaboradores excepcionales como los guitarristas Robben Ford y el ya desaparecido Hiram Bulock, James Genus al bajo, Vinnie Colaiuta a la batería, Manolo Badrena a las percusiones, Ricky Peterson a los teclados del organo Hammond, Clifford Carter al piano, y Lew Sollof, Conrad Herwig y Randy Brecker a las trompetas.
En este disco colabora Willie Nelson, gran músico de country norteamericano cantando fielmente el tema compuesto por Stephen Stills de cuando era componente de los Buffalo Springfield "For What It's Worth". Evans tambien nos rescata a Les McCann a la voz, en los temas "Catch You When You Fall" y "That's That" ademas de los acompañamientos en los coros de Vaneese Thomas, Bruce Hornsby y el armonicista Mickey Raphael.

The Crusaders - Southern Comfort (1976 US Jazz Fusion)

2010-08-13T02:29:00.000-07:00

Nacidos bajo el nombre de "The Jazz Crusaders" y bajo un estilo soul y hardbop el grupo se inició con cuatro miembros: el pianista y alma del grupo Joe Sample, el batería Stix Hooper, el saxofonista Wilton Felder, Robert 'Pops' Popwell bass guitar y el trombonista Wayne Henderson.
El cuarteto mezcla sus innegables fuentes de R&B y soul para dar lugar a un jazz progresivo que recuerda a los origenes del be-bop de maestros como Miles Davis o Art Blakey& The Jazz Messengers.
En 1971 recortaron el nombre, pasando a llamarse The Crusaders y acogiendo el estilo jazz-funk y a veces llegando al estilo disco, sobre todo cuando incluían voces en sus temas. En 1975 Wayne Henderson dejaría el grupo para dedicarse a la producción, y años más adelante sería Hooper quién abandonaría la formación, quedándose la banda en forma de trío, dejando atrás grandes obras del jazz funk como "Stree Life”t (1979).
En 1991 la banda se disuelve, pero para nuestra suerte en el 2003, se volvieron a unir para grabar su último álbum hasta la fecha "Grove Crusade".
En “Southern Comfort” (1974), junto a la formación habitual del grupo, nos encontramos a un jovencísimo Larry Carton a la guitarra eléctrica, unos de los músicos de la Costa Oeste más solicitado en la década de los setenta. Guitarrista muy versátil que tocó con artistas de todos los estilos y que posteriormente desarrollo una exitosa carrera en solitario.

Return To Forever - Romantic Warrior (1976 US Jazz-Rock)

2010-08-06T02:05:00.000-07:00

Return To Forever es una banda fundada y liderada por el tecladista Chick Corea a fines de 1971, dando lugar y siendo uno de los máximos exponentes del movimiento y género del jazz-fusión, junto con otras bandas de la época como Weather Report (con Joe Zawinul y Jaco Pastorius) o Mahavishnu Orchestra (con John McLaughlin). Movimiento generado y precursor anteriormente por Miles Davis con su mítico disco “Bitches Brew” en 1970.
Con una primera formación integrada por el mencionado Chick Corea en teclados, Stanley Clarke en bajo, Joe Farrell en saxo soprano y flautas, Airto Moreira en la percusión y Flora Purim como vocalista, graban su primer álbum, titulado con el mismo nombre del grupo “Return To Forever” (1972), en el que se incluyó la célebre composición de Corea llamada La Fiesta. A finales de este mismo año graban también “Light as a Feather”, un compilado de melodías brasileras.
En 1973 Return to Forever toma un rumbo diferente, al incorporarse el guitarrista Bill Connors (mas tarde sustituido por al Di Meola) y el baterista Lenny White. Este periodo es cuando el grupo se lanza de lleno al Jazz fusión, encontrando su momento de máxima creatividad y calidad con un ramillete del álbumes: “Hymn of the Seventh Galaxy” (1973), “Where have I known you before” (1974), “No Mystery” (1975) y el paradigmático "Romantic Warrior" (1976), considerado por muchos como su obra maestra.
En 1977, se incorporan nuevos músicos auxiliares en vientos, el percusionista Gerry Brown y Gayle Moran en la voz. Esta nueva formación grabó el álbum “Music magic” y el cuádruple “Return to Forever Live”, el cual refleja la tremenda energía de la banda en sus directos, y constituye su última grabación antes de la disolución del grupo.

Paul Simon - Paul Simon (1972 US Folk)

2010-07-30T02:55:00.000-07:00

El músico y compositor, Paul Simon nació en Newark, Nueva Jersey, famoso por sus canciones folk y por su colaboración con artistas de diferentes países.
Paul formó el grupo Tom y Jerry con el cantante y amigo Art Garfunkel, la pareja se separó en 1957 poco después del lanzamiento de su pequeño éxito “Hey Schoolgirl”, pero su interés por la música folk los volvió a unir posteriormente, dejando como legado cinco magnificoz albums: “The Sounds of Silence” (1966), “Parsley, Sage, Rosemary and Thyme” (1966), “The Graduate” (1968) y que fue banda sonora de la película El graduado de Mike Nichols (1967), “Bookends” (1968) y “Bridge Over Troubled Water” (1970). Tras este álbum el dúo se disuelve.
Después de su ruptura con Garfunkel en 1970, Simon edita en 1972 “Paul Simon” (en realidad no era su primer álbum en solitario ya que en 1965 había grabado el disco “Paul Simon Song Book” que se publicó únicamente en Gran Bretaña), un disco heterogéneo en el que el autor toca muchos palos musicales distintos, tanto para marcar una diferencia con la etapa anterior como para tantear sus propias posibilidades y demostrar que era versátil. Así aparecen en el mismo el reggae, la música sudamericana, el blues, el jazz, el country y el calypso.
Extrayéndose como singles los temas: "Mother & Child Reunion", "Me & Julio Down By The Schoolyard", y "Duncan". En el corte nueve ("Hobo's Blues") es una cortisima y deliciosa canción en el que se hace acompañar por el violinista Stefan Grappelli.

Los Lagartos - In the Heat Of The Blues (1996 Blues Spain)

2010-07-26T02:36:00.000-07:00

Los Lagartos es una formación, proveniente de la excelente cantera de blues y rock de la ciudad de Granada, que se forma a finales de los 80’s.
Con una alineacion base de Eduardo R. Gilabert a la guitarra y voz, Alfredo Flores a la guitarra y Sergio R. Gilabert a la batería, alternando diferentes músicos al bajo, los teclados y la sesión de vientos.
En 1996 sale al mercado su primer CD, "In The Heat Of The Blues", con dos temas propios y ocho versiones que formaban parte de su repertorio desde casi sus comienzos.
Para este proyecto cuentan con la colaboración de Estanis Peinado a las teclas, Arturo Cid al saxo y Mingo Balaguer (ex Caledonia blues band) a la armónica.
Ni que decir que Los Lagartos es una banda que se basa en los directos, con un amplio bagaje de festivales y conciertos de prestigios, que es donde se valoran a los buenos músicos, en este caso una excelente Blues Band.

Colin James - The Little Big Band II (1998 Can Rock)

2010-07-21T02:49:00.000-07:00

Colin James es un guitarrista canadiense, que en 1993 cambia radicalmente de tendencia de blues-Rock publicando un disco de "Jump Blues" para un proyecto denominado "The Little Big Band", aderezado, como su nombre indica, con una pequeña Big Band.
En 1998 decide repetir en su sexto álbum con la segunda parte, en la que Colin revisita a su manera, la época en que triunfaba la música de Cab Calloway, Jimmy Wilson y Calvin Bowes igualando o incluso superando la primera parte. "Siempre he encontrado todo el increíble legado de esta música fascinante", dice James. "He venido interpretando algunas de estas canciones desde que tenía 18 años".
Colin ha tocado con músicos como su mentor Stevie Ray Vaughan y Keith Richards y el talento de Mavis Staples, Lenny Kravitz y Bonnie Raitt, apareciendo en sus trabajos en inolvidables colaboraciones. Esta segunda parte es grabada en Vancouver junto a George Rains, Greg Piccolo, Kaz Kazanoff, Reese Wynans, John Wolf y Brian Casserly. Una impresionante alineación de músicos a quienes más tarde se unirían Norm Fisher (bajo), Eric Webster (órgano Hammond y piano) y Al Webster (batería). En el transcurso de las catorce canciones Colin James capitanea a la banda haciendo sonar su guitarra de forma implacable. Temas propios, "Rocket to the Moon" y "Triple Shot" junto a versiones de Jackie Wilson, músico venerado por el propio James, o Ray Charles ( "Mary Anne"), Willie Dixon ("You Know My Love") y Cab Calloway ( "C'mon with the C'mon"). Canciones como "Somethin´s Goin´on in my Room" (grabado originalmente por Daddy Cleanhead), "I´m Lost Without You" (a partir de una grabación de Memphis Slim) y el tema que abre el disco, "Jumpin ´ From Six To Six" (grabado originalmente por Jimmy Wilson).
Un disco con un sonido perfecto, toques de "Jump Blues" y Swing, que relanza el Neo-Swing que se produjo a finales de los 90´s junto a Big Bad Voodoo Daddy, Royal Crown Revue y Brian Setzer Orchestra. Colin James ha seguido publicando discos con regularidad pero con mucha menos repercusión de la que consiguió con las dos primeras partes de su particular Little Big Band.

William Orbit - Strange Cargo (1988 UK Electronic)

2010-07-14T04:01:00.000-07:00

William Orbit es un músico inglés, productor musical, compositor y multi-instrumentalista especializado en teclados sintetizadores y música electrónica, guitarra y bajo.
Su especialidad es la música electrónica atmosférica creada con teclados, aunque también guitarras. Ha sacado también álbumes instrumentales en solitario para el sello I.R.S con el nombre de "Strange Cargo" y con la voz de Beth Orton, Laurie Mayer, Joe Frank o Cleo Torres, entre otros.
Ha producido canciones para Caroline Lavelle, Étienne Daho, One Dove, Sugababes, Seal, Melanie Chisholm y All Saints ("Pure Shores", "Black Coffee"). También remezcló la canción de U2 "Electrical Storm" para el disco The Best of 1990-2000.
En los 80s formó el grupo Torch Song junto con Laurie Mayer, Grant Gilbert y Rico Conning, ligado a este grupo creó su propio sello discográfico, llamado Guerrilla Records, fundado en 1989 en una escuela abandonada de Harrow Road; compartiendo lugar e ideas con un grupo de anarquistas españoles, por lo que aquella zona fue denominada El Centro Ibérico.
Orbit fue la fuerza musical detrás del grupo Bassomatic en los primeros años de los 90. Su éxito por entonces fue “Fascinating Rhythm”.
Orbit ha creado y participado en muchos programas de radio. Al final de los 90s, él tenía un programa llamado Stereo Odyssey en la emisora KCRW (Los Ángeles).
William Orbit acaba de activar, para el disfrute de los internautas, una emisora de radio online que permite escuchar más de 10 horas seguidas de temas inéditos suyos, así como variaciones y remixes de sus temas más famosos. La dirección AQUI .

Traffic - Traffic (1968 UK Progressive Rock)

2010-07-08T02:00:00.000-07:00

Procedente de Birmingham, Inglaterra, Traffic, se formo a finales de los 60, estando siempre liderado por Steve Winwood (se unió a la banda después de dejar al grupo con el que tocaba hasta entonces, el Spencer Davis Group) con Jim Capaldi, Chris Wood, y Dave Mason como núcleo principal.
Traficc debuta en 1967 con varios singles "Paper Sun" y Hole in My Shoe" a lo que le sigue el LP “Mr. Fantasy”. Las diferencias de Manson con Winwood hacen que aquel salga por primera vez de la formación, a la que se reincorpora para gravar el segundo álbum, “Traffic” (1968), producido por Jimmy Miller y donde se encuentra la tan versionada “Feelin’ Alright” escrita por Dave Mason.
La banda se va de gira por USA en 1968, lo que supuso la publicación al año siguiente de su tercer álbum "Last Exit", en el que una gran parte del disco está grabado en directo. Durante la gira, Mason fue despedido, y Winwood anunció la disolución de la banda.
Winwood formó Blind Faith, con Eric Clapton, Ginger Baker, y Ric Grech, que duró sólo un año. Después de la ruptura de Blind Faith en 1969, Winwood retoma Traffic (sin Manson), en paralelo como solista, publicando "John Barleycorn Must Die" (1970).
Traffic se extendió y se amplió como banda en 1971, añadiendo a Rick Grech como bajista, Jim Gordon procedente de los Derek and the Dominos, a la batería, y el percusionista Rebop Kwaku Baah, gravando el directo “Welcome to the Canteen”
Dave Mason regresó de nuevo para grabar su tercer y último disco con la banda, "The Low Spark of High Heeled Boys”(1971), logrando incluir dos canciones de su disco en solitario, "Alone Together", finalmente el álbum acabó con la cubierta de la canción de Spencer Davis Group, "Gimme ' Some Lovin".
Después de que Mason se marchara definitivamente del grupo, de nuevo, los problemas personales desintegraron totalmente la banda, de manera que Capaldi empezó su carrera en solitario y Grech y Gordon dejaron la banda.
Winwood, rehace la formación con el baterista Roger Hawkins y el bajista David Hood, grabando el sexto disco de estudio de Traffic, "Shoot Out at the Fantasy Factory " (1973). Un año después gravan "When the Eagle Flies" (1974)incluyendo al bajista Rosko Gee, tras el cual Traffic toca a su fin.
Capaldi y Winwood se juntaron bajo el nombre de Traffic en 1994, cuando publicaron "Far From Home" (Wood había muerto en 1983), haciendo varias giras, tras las cuales desparecen definitivamente.

Living Colour - Time Up! (1990 US Rock)

2010-06-29T03:40:00.000-07:00

Living Colour es una banda con un estilo muy marcado de fusionRock, aunandose sonidos funk, heavy metal, free jazz, punk y hip-hop y con una militancia negra y crítica social en sus letras. Formada en 1984 por músicos afroamericanos de Nueva York, se disuelven en 1995, volviéndose a reagrupar a principios de 2001.
Living Colour comenzó como un trío compuesto por Vernon Reid (guitarra), Muzz Skillings (bajo) y Will Calhoun (batería), uniéndosele mas tarde Corey Glover (voz).
Descubierto por Mick Jagger, impresionado con un recital de la banda, les produce una demo, firmando un contrato con una discográfica.
En 1988 graban su primer disco “Vivid”, con la producción de Ed Stasium y el propio Mick Jagger, a lo que le sigue su primera gira al ser teloneros de los Rolling Stones, en el tour del disco Steel Wheels.
Living Colour tiene en su haber un total de cinco Lp y un Ep en sus dos etapas: el mencionado “Vivid” (1988), “Time’s Up! “ (1990), “Stain “ (1993), “CollideØscope “ (2003), “The Chair In The Doorway “ (2009). “Biscuits”, editado en 1991, es un EP con material en vivo (como los covers Talkin’ Loud And Sayin’ Nothing, de James Brown, y Burning of the Midnight Lamp, de Jimi Hendrix) y otros temas que no fueron publicados en "Time’s Up!", como Money Talks.
"Time’s Up!", segundo álbum lanzado en 1990, reveló toques experimentales, jugando con la música afro-latina en “Solace Of You”, la psicodelia en “Fight The Fight “ , un sonido trash hardcore del tema que da título al álbum y el hit “Love Rears It's Ugly Head” que los mantiene en las listas de éxitos.

Toto - Toto IV (1982 US Rock)

2010-06-25T04:13:00.000-07:00

El grupo Toto se formó en Los Ángeles en el año 1977, integrado por David Paich (teclados), Steve Lukather (guitarra), Bobby Kimball (vocalista), los hermanos Steve (teclados) y Jeff Porcaro (batería) y David Hungate (bajo). Jeff Porcaro fallece en 1992 de un ataque el corazón con tan solo 38 años, antes de la publicación del disco “Kingdom of Desire“, siendo sustituido por el ingles Simon Phillips.
Músicos provenientes de estudios de grabación y que en su larga carrera no dejaron de colaborar con otros artistas (en Thriller de Michael Jackson intervienen Lukather, Paich, Steve Porcaro y Jeff Porcaro trabajando en conjunto). "Toto es una banda conformada por los mejores músicos de sesión del mundo" frase atribuida a Eddie Van Halen; teniendo su estilo la habilidad de mezclar el Blues, Rock, Pop, Jazz, Funk que le dio un notable éxito comercial, sobre todo en la década de los 80.
El nombre de Toto fue escogido, simplemente, al ser la identificación que le dio su ingeniero de sonido a sus cintas para reconocerlos, fácilmente, entre todo el material sonoro del estudio que tenia la banda y sus miembros a la vez con otros artistas y colaboraciones.
La banda realizó al 2008 19 álbumes: 13 álbumes de estudio, 4 en vivo y una banda sonora (“Dune” de David Lynch y protagonizada por Sting).
"Toto IV" (1982) es el cuarto álbum en la discografía de la banda y quizás el disco más conocido y exitoso, con hits como “Rosana” o “Africa”. Un trabajo que llevó aún más a la fama a Toto a los probablemente mejores músicos de estudio americanos.
Su último disco de estudio fue lanzado en el 2006 “Falling in Between” a lo que le siguió el correspondiente tours por todo el mundo denominado: Tour Falling in Betweend, de donde sale su último trabajo en vivo a finales del 2007, titulado “Falling in Between Live in Paris”.
En el año 2008 Steve Lukather publicó en su página de Internet que Toto se separaba definitivamente.

Paul Rodgers - Now (1997 UK Rock)

2010-06-21T03:05:00.000-07:00

Paul Rodgers, cantante británico, conocido por ser miembro fundador de las bandas Free y Bad Company. Antes de establecer su carrera en solitario, también fue miembro de The Firm y The Law. Entre 2005 y 2009 se reunió con dos miembros de Queen, formando la alineación llamada Queen + Paul Rodgers, con la cual salió de gira y grabó un álbum.
Después de la separación de Free y antes de formar Bad Company, Rodgers creó brevemente un trío llamado Peace en el cual tocaba guitarra y, por supuesto, era su vocalista. Aunque Peace ensayó y grabó algunos demos, ninguno de éstos fue publicado.
En octubre de 1983, tras su salida de Bad Company, Rodgers, publicó su primer álbum en solitario “Cut Loose”, en el cual figura como autor y compositor de todos los temas e incluso ejecutó la totalidad de los instrumentos.
Paul Rodgers y Jimmy Page, en 1984, unen sus talentos para crear el super grupo The Firm, publicando dos álbumes (The Firm y Mean Business), realizando dos giras mundiales.
En 1991, Paul Rodgers formó, junto a Kenney Jones (ex baterista de Faces y The Who), una nueva banda llamada The Law, publicando el álbum "The Law", donde se extrae el éxito "Laying Down The Law" escrito por Rodgers.
En 1994, para el 25º aniversario del Festival de Woodstock, Rodgers participó (casi cerrando la jornada) junto al baterista Jason Bonham, el bajista Andy Fraser (ex-compañero suyo en Free) y los guitarristas Slash y Neal Schon como "Paul Rodgers Rock and Blues Revue".
En 1995 formó The Paul Rodgers Band integrada por Jaz Lochrie (bajo), Jimmy Copley (batería) y Geoff Whitehorn (guitarra). La banda realizó una extensa gira por Europa, Estados Unidos y Reino Unido hasta 1998. Dentro de este periodo, en 1997, publicó su nuevo álbum de estudio, “Now”, el cual sería también publicado como parte de un disco doble, "Now and Live" extrayéndose el sencillo "Soul Of Love".
All Right "Now".

The Beach Boys - Pet Sounds (1966 US Pop Rock)

2010-06-14T03:00:00.000-07:00

The Beach Boys es un grupo musical estadounidense, formado en 1961, representante del estilo californiano de vida de los años 60 y uno de los precursores de la música y cultura del surf de la época. Formado por tres hermanos Brian Wilson (compositor, vocales, bajo y piano), Carl Wilson (guitarra y vocales) y Dennis Wilson (batería, vocales y a veces piano), Mike Love (vocal, teclados y saxofón), Al Jardine (guitarra y vocales) y Bruce Johnston (vocales y piano).
La música de The Beach Boys, al principio de su carrera, era muy melódica y destacaba por sus armonías vocales, pero es a partir de 1965 cuando el estilo musical de los Beach Boys da un giro más experimental. Álbumes como “Today” y “Summer Days” ofrece menos énfasis en las guitarras, y se enfoca por el contrario en los teclados y la percusión, asimismo se nota claramente una madurez lírica en el contenido general; dando el giro definitivo, cuando Brian Wilson después de haber escuchado “Rubber Soul” de los Beatles, quiso componer y estar a la altura de ese álbum.
El ingenio de Wilson en el estudio de grabación, junto a sus arreglos cada vez más sofisticados dan como resultado el disco más controversial de la banda: “Pet Sounds” (1966), no obteniendo el éxito al que el grupo estaba acostumbrado (fue su primer gran fracaso comercial) pero si unos de los álbumes mas aclamado por la crítica, obteniendo con el paso del tiempo ese éxito que se le denegó en principió. Los cortes "Wouldn't It Be Nice" y "God Only Knows”, muestran de manera clara la habilidad de Wilson en sus facetas de compositor, adaptador y productor.
Paul McCartney dijo que Pet Sounds es el mejor álbum vocal jamás grabado y el álbum que les inspiro a él y a John Lennon a componer Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, cerrándose así el circulo en cuanto a retos, entre Wilson y McCartney & Lennon, con la trilogía “Rubber Soul”, “Pet Sounds” y “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band”.

Steely Dan - Gaucho (1980 US Fusion)

2010-06-07T03:58:00.000-07:00

Steely Dan es un grupo americano de jazz fusión, sus principales miembros eran Walter Becker (bajo) y Donald Fagen (voces, teclados). El esplendor del grupo fue en los años 70, cuando lanzó seis álbumes que mezclaban elementos de jazz, rock, funk, rythm and blues (R&B) y pop.
Con la contratación de los guitarristas Denny Dias y Skunk Baxter, el batería Jim Hodder y el teclista/vocalista David Palmer, Becker y Fagen formaron oficialmente Steely Dan en 1972, lanzando su disco debut poco tiempo después “Can’t buy a thrill”
Su música se caracteriza por la influencia de complejas estructuras de jazz, el manejo adecuado de las letras y una gran habilidad musical. Fagen y Becker tomaron este nombre de un vibrador a vapor que aparece en la novela Naked Lunch de William Burroughs.
El grupo realizó giras entre 1972 y 1974, pero en 1975 después de la grabación de su tercer disco “Pretzel Logic” (1974) y la gira promocional, Fagen y Becker decidieron retirarse de los conciertos en directo y convertir a Steely Dan en una banda de estudio, incluyendo al guitarristas Denny Dias, al bateria Jeff Porcaro, el guitarrista Elliot Randall, el saxofonista Phil Woods, el bajista Wilton Felder, el percusionista Victor Feldman, al teclista Michael Omartian y el guitarrista Larry Carlton, como músicos de soporte.
A partir 1977, con la publicación de “Aja”, el sonido de Steely Dan se hizo más pulido y jazzy si cabe ya que intervienen músicos de jazz fusión como Wayne Shorter, Lee Ritenour y The Crusaders. Tras unas disputas con su casa discográfica, que hace que su siguiente disco se demore, Steely Dan publican a finales de 1980 “Gaucho”, el disco que seguía a “Aja”, convirtiéndose en otro éxito. Durante el verano de 1981 Becker y Fagen anuncian su separación.

James Taylor - Flag (1979 US Folk Rock)

2010-06-02T10:23:00.000-07:00

James Taylor nació en Boston, Massachusetts, trasladándose posteriormente con su familia a Chapel Hill una localidad de Carolina del norte.
Cantante y guitarrista, Taylor, es unos de los más genuino representante de cantautores surgidos en los años 70, un talentoso compositor, cuyos temas se empapan de reflexión personal y afectivas; además de cantar composiciones de otros artista, tal es así, que uno de su mayores éxitos fue “You've Got a Friend” de Carole King y Gerry Goffin.
Taylor comenzó a mediados de los años 60, pero encontró su público a inicios de los 70, cantando canciones acústicas suaves y sensibles de sencillas estructuras y fácil asimilación, sobre una base de folk, country, blues, soul, y soft-rock, cosechando de forma regular un apreciable éxito comercial.
James Taylor fue un abanderado del estilo de cantautor, donde podemos incluir a Carole King, Joni Mitchell, John Denver, Jackson Browne, Michael Montalbano o Carly Simon,con quien se casó más tarde, entre otros.
Adema de muchas colaboraciones y duetos el cantautor se atrevió en el musical de Broadway “Working”. En “Flag” (1979), precisamente, Taylor incluye dos canciones de dicho musical “Millwolker” y “Brother Trucker”.
Acoustic guitar, cantante: James Taylor.
Electic Guitar: Danny Kortchmar.
Bass: Leland Sklar.
Drums: Russell Kunkel.
Electric piano & organ: Don Grolnick.

The Rolling Stones - Exile On Main St. (1972 UK Rock)

2010-05-27T04:17:00.000-07:00

En 1969, los Rolling Stones se vieron forzados a abandonar Reino Unido por motivos fiscales. La situación financiera del entonces grupo más grande del mundo (los Beatles ya estaba separados) se acerca a la bancarrota.
Su mánager Allan Klein, a decir de los propios músicos, se ha quedado con todo. "Nixon era presidente, la guerra del Vietnam estaba en marcha y Eddie Merckx ganaba el Tour de Francia... Entonces, éramos jóvenes, guapos y estúpidos. Ahora, sólo somos estúpidos" comenta Jagger recientemente en la presentación del documental “Stone in Exile” (2010).
No obstante los Stones estaban en lo más alto de una de sus etapas de mayor profusión creativa. Alquilan una villa en la Costa Azul francesa, poniéndose a trabajar en un nuevo proyecto: "Exile on Main St" (1972). "El concepto de exilio es el correcto, porque eso sirvió para que rompieran con el pasado y para que, como grupo, explotaran", afirma Martin Scorsese en la propia película “Stone in Exile”.
Un magistral trabajo, una jubilosa amalgama de rock, country (profundizado en este estilo gracias a la amistad de Keith Richards con Gram Parsons), blues y góspel, alcanzando momentos sublimes, todo bajo la producción de Jimmy Miller.
Doble álbum con vibrantes, densas y desaseadas, 18 piezas de rock’n’Roll. Enraizadas en los sonidos tradicionales americanos como la soberbia “Rocks off” y “Rip this joint”, el single “Tumbling dice”, “Sweet Virginia” (memorable armónica de Jagger y colaboración no acreditada del mismísimo Parsons), la acústica “Sweet black angel” (con el productor Jimmy Miller a la percusión), una retozona pieza cantada `por Keith Richards llamada “Happy”, la extraordinaria balada “Let it loose” (con un notable acompañamiento vocal).
“Ventilator blues”, “All down the line”, el regusto blues de “Stop breaking down” o la esplendida “Shine a light”, dejan constancia de la gran versatilidad y altura como compositores y músicos de los Rolling Stones, destacando el memorable duelo guitarrero entre Keith Richards y Mick Taylor.
El quinteto se encuentra acompañado por nombres esenciales en sus formas sonoras como sus habituales Ian Stewart, Nicky Hopkins, Bobby Keys, Billy Preston o Jim Price, quienes en jubilosa sinergia con los protagonistas crean una imperecedera e imprescindible obra maestra, uno de las cúspide del rock.

Kraftwerk - Radio-Activity (1975 German Electronic)

2010-05-25T03:51:00.000-07:00

Kraftwerk (central de energía) son considerados por muchos como los padres de la música electrónica y pioneros en la creación de sonidos tan actuales como el techno y en definitiva la música electrónica.
Kraftwerk son un referente indiscutible en la cultura musical más vanguardista, contribuyendo decididamente al desarrollo de la música electrónica. Las técnicas que introdujeron en su música, así como el equipo que desarrollaron, son hoy omnipresentes en la música moderna que si bien ya venía de tiempo atrás, ellos fueron los responsables de llevarla a un nuevo nivel y asentar las bases de lo que hoy conocemos como tal.
En 1968 Ralf Hütter (Teclados e instrumentos electrónicos) y Florian Schneider (flauta, teclados e instrumentos electrónicos), que se habían conocido estudiando juntos a finales de los 60, fundaron el grupo Organisation, precursor de Kraftwerk; un quinteto de krautrock, con el que grabaron el álbum “Tone Float”. A principios de 1970 montaron su propio estudio: Kling Klang y emprendieron el proyecto musical que tomaría el nombre de Kraftwerk.
Pero su fama la hicieron como cuarteto, con las incorporaciones de Wolfgang Flür (Percusión Electrónica) y Karl Bartos (batería y Percusión Electrónica). Esta «formación clásica» de Kraftwerk se formó en 1975 para la gira de “Autobahn” (1974); grabando y presentando por todo el mundo sus álbumes más conocidos: “Radio-Activity” (1975), “Trans-Europe Express” (1977), “The Man Machine “(1978), “Computer World” (1981) y “Electric Café” (1986).
“Radio-Activity” es un álbum grabado en el verano de 1975 (también conocido como “Radio-Aktivität“), publicándose en noviembre de ese mismo año, alcanzado de nuevo un gran éxito.

Dereck and the Dominos - Layla and Other Assorted Love Song (1970 UK Blues Rock)

2010-05-18T04:22:00.000-07:00

Después de los Roosters, Yarbirds, Bluesbreakers de Joh Mayall, Cream, y Blind Faith, el guitarrista y cantante Eric Clapton se unió a los componentes de Delaney & Bonnie and Friends, el bajista Card Radle, el batería Jim Gordon y el teclista y vocalista Bobby Whitlock, para crear los Derek and the Dominos en el año 1970, estando considerado como unos de los proyectos más destacados de Eric Clapton.
En el mismo año de su creación el grupo de blues-rock grabaría su único disco en estudio, el doble álbum “Layla and other assorted love songs” (1970), trabajo en el cual también aparecía el guitarrista de los Allman Brothers, Duane Allman, quien toca en el tema “Layla” y George Harrison, buen amigo de Clapton.
El álbum contiene el gran éxito "Layla", inspirada por el poeta clásico de Persia Nezami y su poema "The Story of Layla and Majnun".
La historia que contaba el poema conmovió profundamente a Clapton, ya que hablaba de un joven que se enamoraba perdidamente de una hermosa mujer, inaccesible porque ya estaba casada.
La posterior gira al disco seria recogida en un disco en directo “In Concert” (1973). Dos décadas mas tardes se publicaría otro álbum en vivo, “Live at Fillmore East” (1994), con grabaciones realizadas en octubre de 1970.
The Dominos se separaron en plena grabación de lo que iba ser su segundo álbum de estudio (nunca llegaría a editarse) en mayo de 1971, principalmente debido a la muerte de Duane Allman y la adicción a la heroína de Clapton. Cinco de estos temas aparecen en la caja recopilatorio de Eric Clapton Crossroads de 1988.

Glenn Hughes - From Now On (1994 UK Hard Rock)

2010-05-14T02:12:00.000-07:00

El ex Trapeze, ex Deep Purple y ex Black Sabbath, Glenn Hughes, es un veterano de la escena rock internacional, siendo con Deep Purple con quien se gana un nombre en la historia del rock. No obstante, el vocal y bajista tiene una amplia y espléndida carrera en solitario.
Hughes posee una poderosa y caudal de voz amplísimo, alcanzando notas en el extremo agudo con una potencia descomunal. También posee la particularidad de realizar notorios cambios de registro, dejando ver sus muy marcadas influencias de los estilos Soul y Funk.
En su instrumento, el bajo, pose un gran virtuosismo también, siendo uno de los primeros en incursionar sonidos y estructuras funk en el hard rock.
Glenn Hughes comenzó, hacia1968, a tocar profesionalmente a una temprana edad en una banda llamada Trapeze, hoy una formación de culto hard-rock. Mas tarde entro a formar parte de Deep Purple sustituyendo a Roger Glover, haciendo sombra al mismísimo David Coverdale, en el periodo de 1973-77, con los que graba tres excelentes discos, “Burn”, “Stormbringer” y “Come Taste The Band”, en la formaciones que se conocen como «Mark 3» (junto a Paice, Blackmore, Lord y Coverdale), y «Mark 4» (junto a Paice, Bolin, Lord y Coverdale).
Después de abandonar la formación en el año 1976, la primera vez que el grupo se separó, Hughes inició su carrera en solitario, grabando “Play Me Out” (1977). Una trayectoria poblada de discos editados en los que el bajista y compositor no abandona el rock de siempre pero experimenta con el funk y el soul.
Cabe destacar su recordada colaboración con Tony Iommi, en el disco de 1986 “Seventh Star”, un disco que fue editado bajo el nombre de “Black Sabbath featuring Tony Iommi”, y a comienzos de siglo, su proyecto Hughes Turner Project, con el que fuera vocalista de Rainbow y Deep Purple, Joe Lynn Turner.
“From Now On”(1994), Glenn Hughes reúne a músicos, como Mic Michaeli a los teclados, John Leven al bajo (provenientes de la desaparecida banda Europe), Hempo Hillden a la batería y Thomas Larsson y Eric Bojfeldt a las guitarras. De esta reunió y grabación de este disco sale una posterior gira que sería plasmada en un disco en directo “Burning Japan Live”.

Queen - Queen (1st Album UK 1973)

2010-05-09T06:17:00.000-07:00

El germen de Queen deriva de una banda de rock de los 60’ llamada Smile, entre el guitarrista Brian May y el batería Roger Taylor. May había tocado con anterioridad con bandas como 1984 o The Other.
El cantante y bajista de Smile era Tim Staffel, quien había acompañado a Brian en la banda 1984 (en clara referencia a la novela política de ficción distópica, 1984, escrita por George Orwell, y publicada en 1949).
Cuando Staffel decidió dejar el grupo a comienzos de 1970, después de grabar un single llamado “Earth”, Brian y Roger incorporan al grupo a Freddie Mercury, cantante de un grupo llamado Wreckage. El último en unirse a Queen fue el bajista John Deacon, ex miembro de Dr Opposition, quien en febrero de 1971 paso a formar parte permanente del conjunto británico.
Sus descubridores fueron los ingenieros Roy Thomas Baker y John Anthony, encargado de producirles su álbum debut, ”Queen” (1973), un LP infravalorado y publicado en EMI repleto de hard rock y glam rock con algún retazo progresivo en unas composiciones de alto nivel, como el single “Keep Yourself Alive”, “Great King Rat” o “The Night Comes Down”.
Queen ha demostrado en su larga y dilatada carrera su pericia instrumental, su habilidad para la escritura de composiciones de gran valía en base a una múltiple disposición estilística, que tanto bebe de rock, como del pop, del vodevil, del rock progresivo, del ragtime, del góspel, o de la opera, y la capacidad de transferir a su música una ingente dosis de espectáculo, en gran parte debido a la excepcional capacidad de Freddy Mercury, unos de los mejores cantantes y frotman de la historia del rock.

Roger Hodgson - In The Eye Of The Storm (1984 UK Rock)

2010-05-03T02:40:00.000-07:00

Roger Hodgson nació en Portsmouth (Hampshire), al sur de Inglaterra, voz y compositor de la legendaria banda Supertramp, que nos dejo un extenso legado de bonitas y exitosas canciones: “Give a little bit”, “The logical song”, “Dreamer”, “Take the long way home”, “breakfast in America”, “It´s raining again”, “Schooll”, “Fools Overture” y muchas otras canciones.
Tras su salida de Supertramp en 1983, Hodgson iniciaría una carrera en solitario con la publicación del álbum “In the Eye of the Storm” (1984), aunque llevaba un par de años trabajando en el.
Curiosamente el disco se iba a llamar "Sleeping with the enemy", con un cierto tono intimista, pero tras la exitosa gira 83 con Supertramp prefirió darle otro enfoque y cambiar algunas canciones del repertorio inicial dándole más vitalidad y energía e incluye temas como "In Jeopardy" y "Had a Dream (Sleeping with the Enemy)", publicados como singles.
Roger produce y realiza los arreglos, tocando prácticamente todos los instrumentos, excepto en algunos temas que contó con las colaboraciones de músicos como Michael Shrieve (batería), Scott Page (saxofón), Ken Allardyce (armónica, coros), Jimmy Johnson (bajo) y Clare Diament (coros).

Robert Palmer - Double Fun (1978 UK Rock)

2010-04-30T02:52:00.000-07:00

Robert Palmer fue un cantante e instrumentista ingles, aprendiendo a tocar por sí mismo la guitarra, la harmónica, el bajo y la batería.
Sin embargo, su instrumento más importante fue la voz. Su timbre de voz se mezclaba con lo más meloso de sus melodías para producir canciones con un romanticismo imponente. Palmer tenía una mezcla equilibrada de estilos musicales, combinando soul, jazz, rock and roll, reggae, blues.
Después de pasar por varias bandas, The Mandrakes y Dada, banda de jazz-rock fusion, donde conecta con la cantante Elkie Brooks, con la que forma posteriormente la banda de rythm and blues Vinegar Joe, en el cual Palmer cantaba y tocaba la guitarra rítmica. Lanzaron tres álbumes grabados por la compañía Island Records: "Vinegar Joe" (1972), "Rock 'n' Roll Gypsies" (1972), y "Six Star General" (1973).
A partir de aquí, Robert lanza una exitosa carrera en solitario, solo intercalado por Power Station, grupo que formo junto a Tony Thompson (batería) y los exDuran Duran, el guitarrista Andy Taylor y su bajista John Taylor. La primera vez en 1984 con un disco homónimo “Power Station” y la segunda en 1996 con el álbum “Living In Fear”.
“Double Fun” es un disco lanzado en 1978 con una colección de canciones con claras influencias de rock caribeño e incluye una versión sincopada de "You Really Got Me" de los Kinks o el exitoso single "Every Kinda People" compuesto por Andy Fraser.
El 26 de Septiembre de 2003, cuando acababa de lanzar su nuevo disco “Drive”, Robert Palmer fallese en Paris, de un ataque al corazón.

Fripp & Eno - Evening Star (1975 UK Experimentalrock)

2010-04-26T04:08:00.000-07:00

En 1973 Brian Eno sale de las filas de Roxy Music para embarcarse en una serie de ambiciosos proyectos alternos; casi al mismo tiempo Robert Fripp se toma un paréntesis con King Crimson (parentesis que mantendría hasta 1980). De esta manera el encuentro entre Eno y Fripp fue inevitable, dejando dos trabajos en el curso de cuatro años “No Pussyfooting” y “Evening Star”.
Eno y Fripp prácticamente inventaron el género que más tarde se llamaría “Ambient”, en el cual, el sonido, es más importante que las notas, creando una atmosfera y ambiente en donde se superponen capas de sonidos en una composición muy lineal, en donde solo sobresalen las guitarras retroalimentadas de Fripp, en una técnica que él mismo bautizó como Frippertro.
“Evening Star” es el segundo álbum de los dos míticos discos de Brian Eno y Robert Fripp, publicado en 1975, se trata de la segunda colaboración entre ambos, grabada tras su gira conjunta, donde repiten el sistema utilizado en su anterior trabajo: “No Pussyfooting” (1973). Sin embargo en esta nueva obra se introducen más variaciones instrumentales y compositivas.
Brian Eno: sintetizadores, teclados, bucles, composición, producción. Robert Fripp: guitarras, producción. Rhett Davis, Philip Chapman, Denny Bridges: ingeniería de sonido.

King Crimson - The ConstruKction of Light (2000 UK Progressive Rock)

2010-04-20T01:53:00.000-07:00

“The ConstruKction of light “(2000), disco publicado por King Crimson, en realidad no deja de ser diferentes “ProyeKCtos” compuesto por tres miembros aleatorios de la banda y siempre desde la fría cabeza de Robert Fripp. Aunque no se considera a sí mismo como líder, para Fripp, King Crimson es «una manera de hacer cosas» y los constantes cambios de sus miembros sólo reflejan ese punto de vista.
De esta forma cada proyecto iba explorando aparte su propio camino musical y aportando sus propias ideas en los escenarios del mundo.De esta manera llegan a una cantidad de material suficiente, que a pesar del retiro definitivo de Levin y Bruford, hacen una selección con lo mejor de los projeKcts, editando este álbum bajo un mítico nombre: King Crimson.
“The ConstruKction Of Light“ es un trabajo de impresionante profesionalidad, de descomunal y demoledora potencia y una excelente calidad de sonido que demuestra que las nuevas tecnologías de producción mas avanzadas del nuevo milenio congenian bastante bien con el sonido de King Crimson.
Constituida nuevamente como cuarteto, la banda estaba integrada por Adrian Belew ( guitarra y voz), Robert Fripp ( guitarra), Trey Gunn (guitarra warr) y Pat Mastelotto (batería y percusión).